8 apellidos vascos. Taquilla

La comedia española “Ocho apellidos vascos” bate record históricos en la taquilla española. La premisa de que el norte y el sur chocan no tiene cabida en este caso, ya  que la respuesta es unánime, y es que la película dirigida por Emilio Martínez- Lázaro protagonizada por Clara Lago, Dani Rovira, Carmen Machi y Karra Elejalde gusta tanto, que por segundo fin de semana consecutivo son lideres de taquilla y público.

En su segundo fin de semana, la comedia producida por Mediaset “ocho apellidos vascos” continua posicionándose en el número 1 de la taquilla española con una recaudación de 4.4 millones de euros y un dominio del 52% de la recaudación total. Esto supone casi cuatro veces más que la cantidad obtenida por “Las aventuras de Peabody y Sherman / Mr. Peabody & Sherman”, la película de animación que ha quedado segunda en el ránking español, pero que esta batiendo records a su vez, en Estados Unidos, por delante de “300”.

Estos datos demuestran la buena salud de la comedia, ya que ha tenido un 57% de incremento con respecto al fin de semana de su estreno, y que el boca oreja funciona de maravilla. En este, su segundo sábado en cartelera, el film ha superado la cifra de 2.2 millones de euros, solo superada anteriormente con “Lo imposible” (Que recaudo 9 millones de euros su primera semana) y “Avatar”

La cinta ha conseguido convertirse en el mejor estreno del año con un promedio de 9.697 euros en las 455 pantallas en las que se exhibe, manteniendo así su posición en el Top 15 del estimado de recaudación mundial.

Como realizando un guiño a la trama de esta disparatada comedia, las salas con mayor afluencia de público han sido las de Barakaldo (Vizcaya) y las de Sevilla, ocupando el primer y tercer puesto en el ránking de recaudación por sala. Sin duda el público no quería perderse esta historia que narra los esfuerzos de un joven andaluz (Dani Rovira) que nunca había tenido que salir de su querida Sevilla, por hacerse pasar por vasco e integrarse en el ambiente y las costumbres de la zona para ganarse el corazón de una chica (Clara Lago) de la Euskadi profunda.

El reírse de uno mismo junto con un cartel de caras conocidas, entre ellas la televisiva Carmen Machi (“Aida”, “Kamikaze”) el humorista Dani Rovira dando vida a la parte más cañi del film, o Karra Elejalde (“Biutiful”) junto a Clara Lago (“Fin”), han conseguido reconciliar público, critica y taquilla, bajo la mirada de  Emilio Martínez- Lázaro que se mueve bien tanto en la comedia músical de “El otro lado de la cama” como en el drama de “13 rosas”.

César Chavez, La película

Se estrena en Estados Unidos, la segunda cinta como director del conocido actor mexicano Diego Luna, “César Chávez”. La película de Luna, protagonizada por Michael Peña y América Ferrara retrata los primeros esfuerzos del fallecido activista por los derechos civiles para organizar a los agricultores desde 1962 hasta la histórica firma de contratos ocho años después. Para el actor llevar a la gran pantalla la vida del líder sindical mexicoamericano César Chávez era la manera de rendirle  tributo, y a la vez compartir el mensaje de su legado.

El segundo largometraje como director de Diego Luna, trata de relatar la historia y los esfuerzos humanos y personales del que fue líder sindical de los trabajadores mexicanos, César Chávez, quien organizo a más de cincuenta mil trabajadores campesinos que trabajaban en condiciones desfavorables, sufrían racismo y brutalidad de mano de sus empleadores californianos. El film esta protagonizado por Michael Peña (“El tirador/ Shooter”), quien interpreta a Chávez ( en su primer papel protagonista) y por América Ferrera (“Sin tregua / End of watch”) que interpreta a su esposa, Helen Chávez, quien también fue miembro activista que luchó junto a Chávez. Rosario Dawson y John Malkovich también son dos de los miembros destacados del reparto, donde Malkovich además realiza tareas de producción.

El estreno de la cinta sobre la vida del líder sindical viene precedida de grandes expectativas entre la comunidad campesina de origen hispano en Estados Unidos,  ya que en breve se avecina la votación de la reforma de la ley sobre inmigración.

Cuando el 12 de marzo de este año, se presentaba “César Chávez” en Los Ángeles, la comunidad filipina se congregó en las inmediaciones del Teatro chino con pancartas con la fotografía de Larry  Itliong, líder filipino cuya figura aparece brevemente en algunas escenas del filme, para manifestarse porque el filme de Luna no retrató que ambos líderes -Itliong y Chávez-  lucharon hombro con hombro, comenzando así la polemica.

Para generar más controversia, se presentaba hace unos días en Oakland, California, el documental “Delano Manongs” de Marissa Aroy, sobre el movimiento de los trabajadores del campo filipinos, de los cuales se hace eco, el film de Luna.

Durante la ultima edición del festival de Berlín, el film dirigido por Diego Luna fue uno de los 18 largometrajes  invitados a la sección Special (fuera de competición) que junto con la sección de Competición, forman el programa oficial de la Berlinale. Durante el festival la película genero diversas opiniones, ya que aunque muchos destacaban lo interesante del biopic, se perdían en la demasiada información que incluía el metraje en su hora cuarenta de duración, y en unos personajes secundarios unidimensionales, al servicio del lucimiento de los principales.

Así nos encontramos con los comentarios previos de algunos periodistas que han podido ver el film, como Peter Debruge, que desde Variety comentaba: “Un apasionado proyecto sobre un hombre apasionado toma forma de una manera sorprendentemente plana en 'Chávez'”.

También desde el Hollywood Reporter, David Rooney valoraba positivamente la intención y la controversia del tema tratado mientras acusaba fallos en el guión y de casting, en sus propias palabras: “Mientras las virtudes anticuadas del filme y la integridad del tema le dan tracción, nos encontramos con  un guión lleno de baches y algunos significativos errores de casting  que hacen que no siempre el poder dramático coincida con el de los eventos sobre los que habla”.

Curiosamente el pasado 19 de marzo la película se proyectaba en la Casa Blanca, y aunque el presidente  estadounidense Barack Obama no pudo ver la cinta  por “cuestiones de trabajo”, realizo un discurso previo a la proyección, a la que acudieron  miembros de la familia del mismo Chávez y su esposa, Dolores Huerta, cofundadora junto con Chávez de la UFW, en la que deseaba que la película fuera una inspiración para todos: “Espero que la película  sea un instrumento catalizador para quienes luchan por causas sociales como las que motivaron al legendario líder de jornaleros,  Chávez fue un hombre que supo organizar a las masas trabajadoras para ampliar el círculo de oportunidades no sólo de la gente que él conocía, sino también de las generaciones futuras”.

Rosario Dawson quiere producir una película sobre su personaje en "César Chávez"

La actriz Rosario Dawson participa en la próxima película como director del actor Diego Luna que tendrá por nombre “César Chávez”, y estará basada en la vida del activista sindical. En el film, Dawson interpreta a Dolores Huerta, la cofundadora de la asociación de trabajadores que trabajaba junto a Chávez. La interpretación de Dawson en la cinta parece no haber sido suficiente para la actriz, que se plantea llevar a la gran pantalla la vida de Huerta, conocida como activista por los derechos civiles, con la que había trabajado con anterioridad en proyectos sociales.

Dawson intepreta a Dolores Huerta, nacida precisamente en la misma localidad de Dawson, Nuevo México en el film que Diego Luna ha dirigido, más de 20 años después de la muerte del líder campesino, del que toma su nombre la película. En “Cesar Chavez” se cuenta la historia de este líder que en los años sesenta luchaba por los derechos de los trabajadores latinos y formó la asociación de trabajadores del campo, en la que Dolores Huerta fue cofundadora y presidenta.

Dawson solo tiene palabras de admiración para la líder sindical: “Es una mujer que sigue escribiendo su propia historia, que está muy activa, que sigue colaborando con múltiples causas. Tuve el privilegio de conocerla cuando estábamos en un encuentro sobre inmigración”

Después de haber participado en una película como "César Chávez", "me siento muy animada en  tratar de producir una historia sobre Dolores", dijo más tarde. "Investigué tanto sobre ella y abarcarlo todo era simplemente  imposible, gran parte de lo que filmamos ni siquiera entró en la película, así que espero que lo incluyan como extra del DVD porque es mucho  lo que ella ha aportado socialmente".

La actriz se siente emocionada y conmovida por el honor de haber podido interpretar a Dolores Huerta, ya que es una de las mujeres que más admira. El honor de interpretar a la que fue la mano derecha del líder sindical César Chávez, y que sigue activa a sus 83 años, le llego en forma de felicitación de la propia Dolores por la red social de twitter.

Es muy posible que próximamente veamos a Rosario Dawson llevando a cabo este proyecto del que habla tan apasionadamente: "Esta es una película que sintetiza 10 años de un movimiento en una hora y media, así que no creo que siquiera toca o roza la superficie de lo que Dolores nos ha aportado a través de los años, pero espero que con el éxito de este filme surja la oportunidad de contar su historia, porque todavía la está escribiendo, todavía está ahí en la línea del frente haciendo su trabajo"

Por su parte Dawson, conocida por trabajos como “Kids” o “La última noche / La hora 25 / 25th Hour” de Spike Lee volverá a aparecer en la tercera parte de “Clerks” dirigida por Kevin Smith, y volverá a aparecer en la secuela de “Sin City”.

Benedict Cumberbatch vuelve a los escenarios para interpretar a Hamlet

El actor británico Benedict Cumberbatch dejará momentáneamente las investigaciones de la aclamada serie Sherlock, de la que es protagonista para volver al teatro con la obra más famosa de William Shakespeare, “Hamlet” en los escenarios de Londres, aunque para ello habrá que esperar hasta agosto del 2015.

Cumberbatch será el protagonista de esta nueva versión del “Hamlet” de Shakespeare que se estrenará en el teatro Barbican de Londres presumiblemente en agosto de 2015. La obra será dirigida por Lyndsey Turner, quien ya ha llevado la dirección teatral de obras como “Chimerica” con notable éxito.

La participación de Cumberbatch en “Hamlet” supondría su retorno a los escenarios teatrales ya que la última vez que piso las tablas fue en 2011, cuando protagonizó “Frankestein”, en la versión que el director Danny Boyle (“Trance / En trance”) dirigía, por la cual el actor recibió el premio Olivier, un galardón otorgado a los mejores actores de teatro de ese año.

A pesar de que queda más de un año para el estreno de la obra, la espectación generada es tal, que desde el teatro Barbican en Londes ya ha adelantado que se empezaran a vender localidades a partir de mayo del 2015.

whatsonstage.com

Un proyecto que ha sufrido algunos retrasos debida a la apretada agenda del actor ingles. Sin embargo, el camaleónico Sherlock ha podido liberar en su agenda las 12 semanas que durará la representación teatral, y al menos 6 semanas previas para preparación y ensayos de la obra sobre el principe danés.

La de Cumberbatch ha sido una larga carrera de fondo desde que estudió arte dramático en la universidad de Manchester, en el norte de Inglaterra, y en la Academia de Música y Arte británico de Londres hasta saltar a la fama por su interpretación del científico Stephen Hawking en la dramatización televisiva de la BBC "Hawking" y, desde entonces, ha prestado su voz para exitosas películas como “El Hobbit", o se ha convertido en el villano de la última de “Star Trek: En la oscuridad / Star Trek: into the darkness”, sin dejar de ser el detective más famoso de la televisión.

sin los ricitos, y así de jovencito esta más guapete

No sabemos si los 1166 asientos que ofrece el teatro Barbican serán suficientes para albergar a los fans de Cumberbatch, sobretodo si la BBC vuelve a hacer esperar a los fans dos años para las nuevas aventuras de la aplaudida Sherlock Holmes.

La Novia

 LA NOVIA  es el único proyecto español escogido en esta convocatoria para recibir fondos europeos a la coproducción de Eurimages. Han concedido financiación a tan solo 17 proyectos europeos de ficción, una película de animación y un documental. Entre los seleccionados se encuentran grandes nombres del cine europeo como Paolo Sorrentino (recientemente ganador de un Oscar por "La Gran Belleza"), los hermanos Taviani ( ganadores del Oso de Oro en Berlín con "César debe Morir") y Alex Van Warmerdam, (director de "Borgman", ganadora en la pasada edición del Festival de Sitges), entre otros. La cantidad que recibirá de los fondos europeos es de 230.000 euros de un total de 5.367.000, repartidos entre los 19 proyectos.

La libre adaptación de “Bodas de Sangre” de Federico  García Lorca se rodará finalmente en junio y en julio de este año en la Capadoccia turca y en los Monegros aragoneses. El trío protagonista estará formado por  Inma Cuesta ( “Tres bodas de Más”, “Águila Roja”), Asier Etxeandía ( Fotogramas de Plata por “El intérprete”, “Velvet”, “Mama” de Julio Medem) y Alex García ( “Kamikaze”. “Tierra de Lobos”).

 


 
Además, se unen a los ya confirmados,  Manuela Vellés (“Caótica Ana”, “Secuestrados”, “Velvet”), Ana Fernández (“Solas”, “Els Nens Salvatges”, “Purgatorio”), Consuelo Trujillo (“Al Sur de Granda”, “Yo, También”), María Alfonsa Rosso (“Caníbal”, “Volver”) y Verónica Moral (“Zipi y Zape, el Club de la Canica”, “Amar es para Siempre”).
Entre los ya confirmados, Leticia Dolera como la Mujer de Leonardo, Luisa Gavasa como la Madre y Carlos Alvarez-Nóvoa  como el Padre.  
Esta producción de Get  in the Picture Productions, coproducida por Mantar Film en Turquia, cuenta con la participación de Televisión Española, del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales, de la Diputación de Zaragoza y de la Televisión de Aragón.

SINOPSIS
Dos hombres, una mujer, un amor, un deseo más fuerte que la ley y que la naturaleza salvaje del mundo que les rodea. Leonardo, El Novio y La Novia son un triángulo inseparable desde niños, pero Leonardo y La Novia tienen un hilo invisible, feroz, imposible de romper… Pasan los años y ella, angustiada e infeliz, se prepara para su boda con el Novio en medio del desierto blanco, de tierras salinas y yermas, donde vive con su padre. El día anterior a la ceremonia,  a su puerta llama una Mendiga anciana que le ofrece un regalo y un consejo: “No te cases si no le amas”, mientras le da dos puñales de cristal.  Un escalofrío recorre el alma y el cuerpo de la Novia.
“La Novia” es, ante todo y sobre todo, una gran historia de amor, una de las tragedias más bellas del imaginario español, donde el paisaje hipnótico envuelve a  unos personajes fascinantes, equiparables al Romeo y Julieta de la cultura anglosajona, dentro del universo mediterráneo.

Sobre GET IN THE PICTURE PRODUCTIONS
Esta productora fue creada en noviembre de 2012 en Barcelona, por Rosana Tomás, Alex Lafuente y Paula Ortiz. Con una visión internacional y una creativa aproximación al cine, Get in the Picture Productions (GIP) empieza su viaje con la producción de “La Novia” de Paula Ortiz.

Rosana Tomás ha trabajado principalmente en USA pero también tiene experiencia en América Latina.  Miembro de la Producers Guild of America ( PGA), su trabajo incluye títulos como Captivity ( 2007) dirigido por Roland Joffé, Unknown (2006) de Simon Brand o la serie de TV ganadora de Emmys, Weeds.

Alex Lafuente ha desarrollado su carrera principalmente como Director de Adquisiciones, Ventas a TV y Distribución Digital en el distribuidor independiente Vértice 360 ( surgido de la unión de Manga Films y Notro Films). Ha supervisado los diferentes estreno del grupo y ha formado parte del desarrollo de la producción de diversos proyectos de Telespan ( “No Contoles”, “Pagafantas”) también del Grupo Vértice.

Paula Ortiz es guionista y realizadora, doctora en Escritura de guión,  escritora, directora y productora de “De tu ventana a la mia”, estrenada con gran éxito de crítica y público en España. Con tres nominaciones a los Goya 2012, ganó el Premio Pilar Miró a la “Mejor Dirección Novel” en la Seminci 2011, así como una mención especial FIPRESCI, a nivel internacional, “De tu ventana a la Mia” ha conseguido, entre otras,  una Mención Especial  y del Premio a la Mejor Banda Sonora en el Festival  Internacional de cine de Shanghai ( SIFF 2012)

Reanalisis para The Cabin in the woods

 
Crítica para especializadas.
Los amantes del género estamos muy mal acostumbrados, y nos conformamos con cualquier remake o slasher que llegue a las pantallas, considerando que un mínimo de calidad lo convierte en una fiesta. En el universo cinematográfico donde el terror (y también la comedia) es uno de los géneros más maltratados encontrar una Masterpiece como “The cabin in the woods”, metaterror en estado puro, que se ríe de todos los tópicos resulta inusual.

El vengador Joss Whedon junto al responsable de “Monstruoso” Drew Goddard nos traen este cubo de rubik del horror absolutamente ingenioso, en el que 5 jóvenes son acechados por el mal en una cabaña, obviamente, en el bosque, y que homenajea desde “Posesión infernal” a “Hellreiser” (ojo, al cameo final)

Una sátira que se ríe de los arquetipos del género y le da una vuelta de tuerca a los mecanismos que ya conocemos para deconstruir lo que sabíamos del terror, y enfrentarnos a que un dulce unicornio pueda ser el arma más mortal. Con un esquema tradicional asentado en los recuerdos cinéfilos del espectador, esta metáfora sobre la sociedad  controlada y manipulada cercana al gran hermano, donde solo vemos lo que nos permiten nuestros “mayores” tiene un único fin: entretener y dar un homenaje al género que tanto amamos.



Critica generalistas
Si pensamos que dentro del género del terror esta todo inventado, Joss Whedon (responsable de “Buffy Cazavampiros” y “Los vengadores”) viene a sacarnos de nuestro engaño, dejándonos caer en uno mayor: Estamos siendo manipulados.

Cuando los cinco jóvenes protagonistas, cargados de tópicos, de “The Cabin in the Woods” se adentran en el bosque para pasar un fin de semana tranquilo, nada les hace presagiar que ellos mismos elegirán el horror con el que serán destruidos, observados de cerca por ese “Gran hermano” que como Demiurgo lo ha gestado todo.

Una propuesta original que nos ofrece un festín de gore con momentos de violencia explícita, alejado de la ligereza del terror habitual, algo que hay que agradecer a su director Goddard, responsable de “Monstruoso”, además de la incisiva critica al poder de manipulación de los programas de televisión.

Con unos diálogos cargados de humor macabro y unas situaciones que se ríen de los arquetipos del género Whedon y Goddard han sabido crear una obra reconocible para los nostálgicos cinéfilos, y un puzzle nuevo para las generaciones actuales. Si queréis reír y chillar a la vez, esta es vuestra elección.

Ryan Gosling podría interpretar a Busby Berkeley

El actor Ryan Gosling se encuentra en negociaciones para interpretar al director de cine y coreógrafo Busby Berkeley en un biopic, en el que también ejercería tareas de productor. Berkeley fue una de las personalidades más influyentes del mundo del espectáculo de los años 30 y 40, además de uno de los coreógrafos que más han influido en la producción de musicales.

Al parecer, la productora Warner bros trabaja en la adaptación de la novela “Buzz: The Life and Art of Busby Berkeley”, la biografía que sobre el coreografo y director de la época dorada de Hollywood ha escrito  Jeffrey Spivak.

El protagonista de “Drive” y “Sólo Dios perdona / Only God  forgives”, participaría en el proyecto como productor  junto a Marc Platt, quien ya coincidió con Gosling en la producción de “Drive”.   Posiblemente el actor también protagonizaría la cinta y además podría volver a ponerse tras la cámara, siendo así su segunda película como director  tras “How to catch a monster” protagonizada por Eva Mendes,  y también producida por Platt, la cual se encuentra en todas las quinielas de la rumorologia sobre que será presentada en el próximo festival de Cannes.

Nos encontramos ante un proyecto bastante interesante ya que las aptitudes musicales  de Gosling están más que probadas, y su grupo de música “Dead Man Bones” es más que respetado, en el que Gosling actúa bajo el alias de “Baby goose” y que ha participado en la banda sonora de películas como “Expediente Warren / El conjuro / The conjuring”. El reto consistirá en llevar a cabo las complicadas y elaboradas coreografías que Berkeley creaba para sus musicales, en la que decenas de bailarinas creaban la sensación de caleidoscopio de colores.

Berkeley fue famoso por sus elaborados números musicales (algunos incluso en el agua) que incluían complejas formas geométricas. Aunque comenzó como muchos otros directores en el teatro acabo fascinado por el cine, donde creía que la cámara era un ojo que debía tener movimiento y no permanecer estática por lo que filmaba desde ángulos inusuales para el público de la época, lo que supuso una revolución artística. Entre sus musicales más famosos se encuentran “La Calle 42 / 42nd Street” y “Vampiresas 1933 / Gold Diggers of 1933”, además obtuvo tres nominaciones a los premios Oscar en mejor dirección de baile, una categoría que ya ha desaparecido.

Por su parte Marc Platt tiene bastante experiencia en la producción de musicales, pues ya había producido “Nine”, además de producir para teatro “Wicked”, el musical de Broadway que se ha representado en escenarios de todo el mundo por al menos 8 compañías distintas y es considerado por The New York Times como uno de los más importantes y exitosos.

Noticias de cine

El rodaje de “Los 33” que cuenta la historia real del derrumbe de la mina de San José en la que 33 mineros quedaron aislados bajo tierra durante 69 días toca a su fin. El próximo domingo, todo el equipo de la película, encabezado por la directora del film Patricia Riggen (“Girl in progress / Educando a mamá”) grabará la última escena en el palacio de La Moneda.
Esta última escena  tendrá como protagonistas al presidente Sebastián Piñera (encarnado por Bob Gunton, “Argo”) y el entonces Ministro de Minería Laurence Golborne (Rodrigo Santoro, "300"), que fueron las autoridades más importantes que participaron en el rescate.
El estreno de la película esta previsto para finales de este año o en 2015 coincidiendo con su presentación en alguno de los festivales más importantes como podría ser Cannes.




El conocido actor mexicano Arath de la Torre (“Véritas, el príncipe de la verdad”) vuelve a la pantalla grande tras siete años de ausencia como protagonista con la película “Un novio para mi mujer” al lado de Sandra Echeverría (“Salvajes / Savages”) y Jesús Ochoa (“Por ella soy Eva”).
 En esta nueva película, el actor interpretará a un tipo fastidiado por su mujer, dispuesto a hacer todo lo posible para deshacerse de ella, incluso buscarle un novio como apunta el titulo del film, lo que le llevará a vivir más de una anécdota divertida.
Arath se muestra encantado con su vuelta al cine en esta comedia de situación, que es una adaptación del film argentino que lleva el mismo nombre y que cuenta una historia similar. A la par que la grabación del film, el actor que protagonizará  las obras de teatro “Cuentas muertas” y Las obras completas de William Shakespeare” ambas de gira por México.


La actriz Valeria Pani murió a los 57 años de edad, tras ser asaltada junto a su esposo e hijo cuando salían de una obra de teatro en Buenos Aires.
La conocida actriz  y cantante que había participado en películas como “El patrullero 777” dando vida a “La Pingüis” junto a Cantinflas, fue interceptada junto a su familia por un grupo de delincuentes, según informaron fuentes locales, los cuales tras arrebatarles los objetos  de valor decidieron herirles con armas blancas, lo que provocó que la actriz perdiera la vida en el acto,  mientras que su esposo, el empresario paraguayo Alfredo Samaniego y su hijo Alfredo Steffano (conocido cantante de tangos) quedaran malheridos.
Esta previsto que Maite, la hermana de Valeria, recoja las cenizas tras el funeral y estas sean trasladadas a México para que la actriz pueda descansar cerca de sus seres queridos.

Carlos Saura retoma el rodaje de 33 días, su película sobre el Guernica

farodevigo.es

El director de cine Carlos Saura presente en el festival de Málaga para recoger el galardón de la Biznaga de plata en el apartado de Película de Oro por “La prima Angélica”, habla de sus próximos proyectos, y entre ellos destaca “33 días”, una película sobre la creación del Guernica de Pablo Picasso. El cineasta con 82 años, 44 películas y una docena de libros sigue entusiasmado por contar historias, y con sacar adelante el ambicioso proyecto de la creación del cuadro de Picasso con el actor Antonio Banderas como protagonista y productor.

El proyecto sobre la creación de el Guernica ha tenido bastantes  altibajos, así durante 2012, el equipo de Carlos Saura se trasladaba a localidad vizcaína de Guernica para buscar localizaciones para el proyecto de “Guernica 33 días”, que en un principio debía estar protagonizado por Gwyneth Paltrow y Antonio Banderas y debía narrar la historia de como se hizo el Guernica y el entorno en el que Picasso pinto ese mítico cuadro, pero el rodaje no llegó a comenzar debido a la crisis y a la falta de productores.
En aquellos momentos Banderas declaraba al periódico El país: "Es un personaje que me ha perseguido durante mucho tiempo y siempre lo había rechazado. Me merece mucho respeto porque soy malagueño, porque nací a cuatro cuadras de donde lo hizo él", pero al mismo tiempo le supondría un honor encarnar a tan gran maestro y paisano.

Finalmente , después de varios aplazamientos, es posible que el rodaje de “33 días” comience a finales de este año, todavía con la participación de Antonio Banderas, si los problemas de derechos del guión que han provocado los retrasos, quedan solucionados.

abc.sevilla

 

Saura se mostraba entusiasmado con este proyecto y contaba sobre la preproducción como estaban reconstruyendo la casa donde nació Pablo Picasso en Málaga: “Vamos a reconstruir la casa de Picasso, pero de una manera imaginativa. Queremos recrear la niñez de Picasso, pero no de una forma realista, en todo caso esto está todavía en el aire, porque cuando hago una película cambio mucho de idea”

El titulo de “Guernica 33 días” hace referencia a los días en que tardó Pablo Picasso en pintar el famoso cuadro que se puede contemplar en el Museo Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.  El film aspira a mostrar la lucha emocional de Picasso mientras trabajaba en el cuadro. La obra también pretende examinar la relación entre Picasso y su amante francesa de entonces, Dora Marr, con quien convivía.

El interés de Saura por este periodo histórico y este cuadro, va más allá de lo artístico, ya que él mismo vivió con 5 años los bombardeos de  Madrid, Valencia y Barcelona, y comprende el dolor del artista pintando un momento histórico. Y es que la vida del artista malagueño, da para muchas películas, como afirmaba Saura: “Picasso se asemeja mucho a lo que yo pienso que debe ser un artista: una persona que no paraba de trabajar, infatigable. Cuando se reunía a comer con sus amigos, éstos se echaban a dormir la siesta y él se ponía a pintar. Tampoco bebía alcohol. No bebía nunca, al contrario de lo que la gente piensa”

abc.es Saura y Querejeta involucrados en el proyecto

Por otro lado, la figura de Picasso ha sido de gran influencia en el mundo del celuloide. Él, que como artista devoraba cada influencia y se encontraba en constantes metamórfosis, define perfectamente lo que es el espíritu creativo del siglo XX. Es así, que el cubismo, del que era un maestro ha dejado su impronta en la estructura y la composición del plano cinematográfico, es decir, nos trajo consigo el fragmentar el plano en múltiples perspectivas a la vez en pantalla, dando un aspecto de artificioso. Además los directores franceses Alain Resnais y Rober Hessens decidieron crear un cortometraje documental sobre el bombardeo del Guernica que se llamo “Nuit et Brouillard” en 1955 y esta lleno de planos oníricos, y figuras vanguardistas inspiradas en el cuadro del pintor malagueño.

Festivales de cine: Málaga, Panamá y Lleida

El cine de origen hispanoamericano esta de enhorabuena, y es el protagonista de algunos de los festivales que estas por llegar en los próximos meses. Cintas de alta calidad y compromiso social, sin olvidar el entretenimiento se darán cita junto a multitud de documentales en las próximas ediciones de los festivales de Lleida, Panamá y Málaga entre los últimos días de marzo y las primeras semanas del mes de abril.

La película española dirigida por Alex de la Iglesia, “Las brujas de Zurragamundi” y la mexicana “Paraíso” de la directora Mariana Chenillo abrirán la tercera edición del Festival Internacional de cine de Panamá, que tendrá lugar entre el 3 y el 9 de abril de este año.

En “Paraíso” veremos la historia de una pareja obesa obsesionada por ponerse a dieta siendo esta, una ácida  critica al culto al cuerpo, mientras que “Las brujas de Zugarramundi” nos muestra de mano de la ciencia ficción y el terror mezclado con la comedia, como unos ladrones de poca monta  escapando de la policía llegan a un pueblo gobernado por unas brujas, en lo que es la última vuelta a la guerra de sexos.

Una edición que contará además con la presencia de Arturo Ripstein (el padre del cine y del melodrama mexicano) y con la directora francesa Claire Denis.
En esta ocasión el festival exhibirá más de 70 películas, además de una docena de documentales de 35 países entre los que se encuentran España, Francia, Kenia, Japón, y sobretodo América Latina.

La sección panorama Iberoamericano es una de las más amenas, creativas e inteligentes del festival ya que incluye algunas de las piezas más celebradas y premiadas en festivales internaciones y que gozan del favor tanto de público como de crítica. Destacamos entre la presencia española, la comedia “Tres bodas de más”, y las películas “Caníbal” y “Grupo 7”.  Mientras que algunas de las más aclamadas en el pasado festival de cine de San Sebastian también estarán presentes como, “Gloria”, “Club Sandwich” o la ganadora de la concha de oro a la mejor película de la pasada edición que fue la venezolana “Pelo malo”

Simultáneamente tendrá lugar en la localidad catalana de Lleida (España) la Muestra de cine Latinoamericano de Cataluña (Oficialmente y en catalán la Mostra de Cinema Llatinoamericà de Catalunya) que comenzó a realizarse en 1995 y esta dedicada al cine latinoamericano.

En esta ocasión, la 20 edición de la muestra que se celebrará en la localidad catalana del 4 al 11 de abril, proyectara once largometrajes de once nacionalidades diferentes y diez cortometrajes.
La presidenta de el jurado será en esta ocasión la escritora y directora de cine Rosa Vergés.

Entre los largometrajes de la sección oficial podemos destacar la brasileña “O lobo atrás da porta” de Fernando Coimbra que viene precedida por ser la ganadora del Festival internacional de cine de Miami.

Dentro de la sección oficial también podrán verse entre otras:  “El verano de los peces voladores” de Marcela Saïd (Chile-Francia), “La reconstrucción” de  Juan Taratuto (Argentina),  “Entre vales” de  Philippe Barcinski (Brasil-Uruguay-Alemania), “Potosí” de  Alfredo Castruita (México), “María y el araña”  Joel Novoa (Venezuela-Argentina-Uruguay), “María y el araña”  María Victoria Menis (Argentina), que son una muestra del mejor cine latinoamericano de estos momentos.

También da comienzo el festival de cine español de Málaga, con un mirada destacada a las producciones latinoamericanas, sobretodo a aquellas que han sobresalido en festivales y eventos pero que no han sido presentadas aún comercialmente, como es el caso de “Besos de azúcar” “Conducta”, “El Bumbún”, “La vida después”, “María y el Araña”, “Princesas rojas”, “Rincón de Darwin y Nena”, y  “salúdame al Diego”.

Por otro lado, el apartado Focus Latinoamericano, dentro del festival, abre otro espacio a estos trabajos de la América hispanohablante, en este caso fuera de competición, siendo los cinco titulos seleccionados: “Anina” , “Azul y no tan rosa”, “Corazón de León”, “La distancia más larga” y “Raíz”.

La 17 edición del festival contara con  las coproducciones internacionales  “No llores, vuela” de la peruana Claudia Llosa, para la inauguración, y “ Una noche en el viejo México” de Emilio Aragón, fuera de concurso, para la noche de clausura del día 29.
En esta ocasión el país invitado es Argentina por lo que el miércoles 26 de marzo tendrá lugar el “Encuentro cinematográfico Argentina-España. La coproducción y su problemática” dentro de las actividades paralelas del certamen.

Bolaetrapo: Colombia

bolaetrapo.com

Se estrena en las salas colombianas “Bolaetrapo”, una comedia colombo-mexicana en la que los exponentes más destacados de este deporte se enfrentan por el campeonato, y por el amor de una joven. Una historia, la cual igual que la pelota, esta hecha de los retazos de los sueños de sus protagonistas que giran tratando de materializarse. “Bolaetrapo” es una propuesta del co-guionista Antonio Marlano que además se encarga de protagonizarla junto a Guillermo Iván, que realiza tareas de dirección.

El argumento de “Bolaetrapo” gira en torno a un joven que desea progresar en el deporte para ayudar a su abuela y sacarla de la pobreza. Como es de esperar, el film cuenta con un antagonista que pone en riesgo su victoria, y el amor por una de las animadoras del equipo. Una historia que gira alrededor del mundial de Bolaetrapo, un popular juego de fútbol callejero de Barranquilla en Colombia.

Este joven apasionado por el deporte es “La Nutria” interpretado por el actor y co-guionista del film, Antonio Merlano (“Labios rojos”) mientras que su oponente es “Bam Bam” de la Guerrero que compite por México, al que da vida Guillermo Iván, quien a su vez es el director de la película y co-guionista, en una historia que nos presenta a los protagonistas por medio de flash-backs.

La historia comienza cuando “Bam Bam de la Guerrero” capitán del equipo mexicano golpea a “La Nutria” dejándole inconsciente, mientras una voz en off comienza a contarnos las historia de el que era conocido como el mejor jugador de la región.

De las actuaciones de los interpretes destacamos a Guillermo Iván, que en este caso también ejerce de director, siendo “Bolaetrapo” su opera prima. El director se encarga de dar vida al antagonista en el film y se convierte en un roba planos de pelo largo y desaliñado, del protagonista. Por otro lado, el triángulo amoroso lo compone la joven animadora Laurita de la que ambos protagonistas están enamorados y que esta interpretada por la actriz colombiana Lorena Álvarez, una jovencita coqueta e interesada que solo busca convertirse en la reina del carnaval de Barranquilla.

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“La Nutria es un jovencito que sueña con ser como su abuelo quien fue el inventor de la bolaetrapo y fue jugador del Junior. Se enamora de Laurita desde niño, aunque los intereses de la niña se enfocan en convertirse en reina del carnaval . El joven comienza a ganar confianza a medida que va subiendo peldaños en el campeonato”, afirmó Antonio Merlano, autor de la idea original de la película.

Ésta es una de las nuevas propuestas del cine colombiano, y si bien “Bolaetrapo” no desarrolla una historia espectacular de efectos especiales, sí es una producción representativa de la cultura caribeña colombiana y de otros paises de Suramérica. De este modo, el primer mundial de bolaetrapo que toma como sede la arenosa Barranquilla se convierte en una comedia muy reconocible para el público de la región.

“Bolaetrapo” trae consigo la enseñanza de que a pesar de las diferencias culturales, de nacionalidades, razas, etc... el deporte es algo que siempre nos acaba uniendo convirtiéndose en un punto de encuentro universal

Star Wars: Episodio VII - Carteles de los fans (Fanmade)

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Star Wars: Episodio VII ( Casting)

Con el guión del Episodio VII de la Saga de “La Guerra de las Galaxias” terminado, solo es cuestión de tiempo conocer el reparto de la nueva película de la franquicia. Lupita Ngony'o o Gary Oldman son los nombres que suenan para el film que dirigirá J.J.Abrams y cuyo rodaje está previsto que arranque en Londres esta primavera. Esta nueva entrega verá la luz en los cines el 18 de diciembre de 2015.

Con el casting sin cerrar todo son rumores y especulaciones sobre lo que nos gustaría ver en la Saga de “La Guerra de las Galaxias / Star Wars”, pero entre los nombres que han sonado con más fuerza en los últimos días tenemos el de Lupita Nyong'o, la nueva chica de moda en Hollywood tras alzarse con el Oscar a mejor actriz de reparto por “12 años de esclavitud / 12 years a slave”. La actriz se reunió con el director J.J.Abrams (“Super 8”) unas semanas antes de los premios para negociar su participación en la nueva entrega de películas.

El nombre de Nyong'o ha sido el último en entrar en la rumorología que rodean la secuela de la que únicamente se ha confirmado la participación del robot R2-D2. Otro de los nombres que han saltado a la palestra para alimentar los nervios de los fans de la galaxia “muy, muy lejana” ha sido el de Gary Oldman, que ha admitido haber entrado en conversaciones sobre su participación en el film, o el de Michael Fassbender (“Shame”), que no ha dado ninguna declaración al respecto.
 
Entre los nombres de jóvenes estrellas despunta el de Saorsie Ronan, quien fuera descubierta por Peter Jackson en el drama “ The Lovely bones / Desde mi cielo” y que ahora tiene un papel en “El gran hotel Budapest / The grand Budapest hotel”, mientras que para el papel de villano se especula con la posibilidad de que pudiera encarnarlo Adam Driver, popular por la serie de televisión “Girls”.

No han sido pocos los actores que han asegurado tener reuniones con los productores del film para un papel en el largometraje y más de uno ha hecho casting para ello, sin saber oficialmente quien estará en una de las películas más esperadas de 2015, como es el caso del chico Disney Zac Efron (“High School musical”), quien se muestra cauteloso en sus declaraciones y solo afirma haber tenido contacto con los productores de la cinta.

El guión firmado por J.J.Abrams, quien además dirigirá el “Episodio VII”, junto a Michael Arndt (ganador del Oscar al mejor guión original por Pequeña Miss Sunshine) y a Lawrence Kasdan, guionista de la trilogía original, ya esta terminado, y ocurrirá unos 30 años en el futuro, después de los hechos acontecidos en el episodio VI: El Retorno del Jedi.

Interrogado día si y día también sobre los diferentes rumores sobre el casting, J.J Abrams salía al paso diciendo: “He leído tantos artículos sobre gente con la que voy a reunirme que a veces me encuentro con algunos y me dicen: 'Oh, le leído que vamos a vernos'. Y aunque es un poco molesto resulta encantador ver que hay tantos rumores sobre la película porque demuestra que hay un interés por la cinta”

George Lucas, el creador de la saga “Star Wars” fue muy astuto a la hora de preparar tanto su compañía Lucasfilm como la franquicia de películas para su venta a Disney, y lo hizo empezando a crear activamente la nueva trilogía antes de la venta, incrementando así el valor de la compañía. Lucas dio un paso más y empezó conversaciones formales con las estrellas Mark Hamill (Luke Skywalker), Harrison Ford (Han Solo) y Carrie Fisher (Leia Organa) protagonistas de los episodios originales, tratando de forzar su regreso a la saga. Carrie Fisher pasará 6 meses en Inglaterra, donde tiene previsto comenzar el rodaje, lo que nos puede dar una pista sobre la vuelta de su personaje.

El cine de Shane Carruth: Primer Vs Upstream color

Enfrentarse al cine de Shane Carruth es hacerlo desde un ángulo nuevo creado por un cineasta que no lo es. Un ingeniero con inquietudes cinematográficas y visuales que no ha inventado el cine Low cost, pero es a lo que se enfrenta ya que él mismo escribe, dirige y produce sus propias películas, con un ajustado presupuesto ( en el caso de su opera prima de tan solo 7000 dólares), por lo que ese aire de autor, hacedor de todo esta presente en su obra, la cual puede llamar suya al 100%)

El autor solo tiene dos películas en su filmografía, pero es suficiente para descubrir algunos rasgos de su cine. (“Primer” y “Upstaim color” con casi 10 años de diferencia)

En ambas películas juega con el concepto de arbitrariedad y determinismo: En “Primer” explora el concepto de lo eventual de los descubrimientos científicos, y como muchos ocurren por azar, en este caso el de los viajes en el tiempo, mientras que en “Upstream Color” aprovecha el determinismo para preguntarse si los hechos que ocurren en la vida son fortuitos o no, uniéndolo al concepto de amor. En su segunda película, el enamoramiento de los protagonistas viene unido a que los cerditos que los representan se aparean, lo que nos hace preguntarnos: ¿ Si los animales no se hubieran encontrado, los humanos tampoco? ¿Es tal vez ese misterioso personaje que capta los sonidos de la naturaleza el Demiurgo que hila las vidas de los protagonistas?

En general el cine de Carruth nos dejará más interrogantes que respuestas.

Es un director que  además que juega con el concepto experimental del cine:  “Primer” empieza abruptamente, y tiene una estructura alejada de la narración convencional, dejando de ser lineal para convertirse en elíptica (Tanto que cuando explican los viajes en el tiempo como un acto circular, el protagonista esta girando una pelota de baloncesto a su alrededor), dando la impresión que podríamos empezar a ver el film en cualquier punto, y verlo de manera circular, sin que afecte al resultado final. “Upstream color” también tiene una estructura narrativa circular, pero más relacionada con el ciclo de vida de el parasito que es desencadenante de la historia.

En ambos films, los diálogos son sumamente importantes: en “Primer” por la complejidad científica, ya  que no se molestan en explicar al público ningún concepto, y en “Upstream color” por la falta de ellos en muchas ocasiones. Es como si el autor hubiera querido resarcirse de todos aquellos que le acusaban de una verborrea ininteligible en su primer film, apostando ahora en el segundo por algo mas visual.

A pesar de lo extraordinario de sus dos films, la intención del director es mostrar hechos absolutamente realistas, como que los viajes en el tiempo, un hecho de por si extraordinario, puede ser descubierto de la forma más casual en un garaje. En Upstraim color también vemos de manera creíble lo fácil y aleatorio que resulta perder todas las posesiones materiales, y el control sobre uno mismo. Trata además en ambos films la fragilidad de las relaciones de amistad o amorosas, y como pueden destruirse estas, y la moralidad (lo fácil que resulta matar o drogar a alguien sin ningún tipo de remordimiento). Estos hechos aunque ausentes de moralidad no dejan a los personajes intactos, ya que en ambos films, sus protagonistas siempre tienen un deterioro físico debido a los hechos acontecidos ( Las taras y obsesiones, además de los daños internos causados por el parasito en “Upstream color” y el deterioro en la escritura, y los daños físicos, incluso el coma debido al uso de los viajes en el tiempo de “Primer”, aunque esto sea tal vez hilar muy fino)

Carruth siente obsesión por darle un aspecto diferente a sus films usando filtros de instagram, que le dan un distanciamiento de la realidad y un procesado de imágenes cercano a la ensoñación, usando: iluminación fluorescente, temperaturas de color no neutrales y película de alta velocidad en “Primer”, y luz natural y filtros de cámara en “Upstream color”.

Aparentemente Shane carruth revoluciono el cine de ciencia ficción con 7000 dólares desde un garaje, para abordarlo de manera filosófica tal y como no se hacia desde 2001: odisea en el espacio, o simplemente para que nos explote la cabeza como en “Scanners” tratando de encontrarle lógica.




En ambos films la narración es rica, tanto en temática como en las densas capas que maneja, y lleva a los personajes al borde de la psicosis, que puede ser el punto de unión.  En" Upstream color" esta psicosis mutua puede ser la pieza esencial del romance, mientras que en “Primer” es compartir un hecho extraordinario que se les va de las manos y les lleva a realizar actos vandalicos ( drogan a sus dobles, infidelidades)

Tal vez un director algo pretencioso,  con una narración que flota de un pasaje a otro con sutiles fundidos a blanco, mientras que narrativamente ( o visualmente) podría ser más cercano a Malick, en cuanto a su temática podría tocar rasgos de Cronenberg.

Festival de Miami 2014

La cinta brasileña “O lobo atrás da Porta / A wolf at the door” del director Fernando Coimbra se llevó el gran premio del jurado en el festival de cine de Miami, que tras nueve días daba por terminada su 31º edición. Una edición en la que se han visto caras conocidas ( desde Anne Hathawey hasta John Turturro) pero donde lo que ha prevalecido es una alta calidad  de sus películas.
Además del premio a mejor película, Fernando Coimbra se lleva a casa el galardón como mejor director por su ópera prima “O lobo atrás da Porta”, en una edición en la que la catalana Nora Navas fue reconocida como mejor actriz en la película española “Tots volem el millor per a ella / Todos quieren  lo mejor para ella / We all want what's best for her”.

La mentira y la perversidad en las relaciones son los temas que explora “O lobo”, donde los protagonistas son, un niño secuestrado y  sus padres ,Sylvia y Bernardo, denunciando el hecho en comisaría, donde se encuentra Rosa, la principal sospechosa y amante de Bernardo, en el momento en el que todos dan testimonios contradictorios sobre los hechos.

A lo largo de nueve días se han mostrado un total de 97 filmes y 44 cortos de ficción procedentes de 39 países, entre ellos 23 estrenos mundiales y 9 en Estados Unidos. En el apartado de ficción el jurado evaluó un total de diez largometrajes de Latinoamérica, España y Portugal, premió la coproducción colombiana-francesa Mateo, dirigida por María Gamboa, en la categoría de mejor guión, además de llevarse el premio a mejor ópera prima.
En el apartado de documentales el premio recayó en dos películas estadounidenses: “Finding Vivian Maier” dirigida por Charlie Siskel y John Maloof y “The Overnighters” de Jesse Moss.

Dentro de la programación que se pudo ver en las seis salas del Miami Beach, estaban incluidas veinte películas iberoamericanas y de temática hispana, entre las que sobresalieron los estrenos mundiales de la mexicana “Asteroide” y la chileno-brasileña "Romance policial", además de la ópera prima española "Somos gente honrada".

El director del festival, Jaie LaPlante se mostraba muy complacido con el nivel de participación de esta edición, tanto por la calidad de las películas proyectadas como por la presencia de los participantes en los films que llenaron de glamour hollywoodiense el certamen, prueba de ello fueron Christopher Plummer (“Begginers / Beginners, así se siente el amor”) y Shirley MacLaine en la noche de apertura, a quienes les acompañaba  en la alfombra roja la actriz Anne Hathaway, protagonistas los tres de la película "Elsa & Fred" versión estadounidense de la coproducción hispano-argentina homónima de 2005.


El festival rindió homenaje al cineasta y actor estadounidense John Turturro (“Barton Fink”), el cual fue reconocido por el conjunto de su obra durante el festival y presento su más reciente trabajo como director, "Fading Gigolo", largometraje que cuenta con las actuaciones de Woody Allen, Sharon Stone y Sofía Vergara.

La gala de clausura contó con el estreno mundial de “Rob the Mob”, en cuyo elenco destaca el cubanoamericano Andy García, quien presentaba el film. Mientras que uno de los actos que más expectación ha causado fue la proyección de “Open Windows”, un thriller de ambiente tecnológico protagonizado por Elijah Wood  y Sasha Grey (“El séquito / Entourage”), y que ha sido dirigido por el cineasta español Nacho Vigalondo (“Los cronocrimenes”).

Atlántida film fest: Trailers del festival

Los festivales de cine también realizan sus pequeñas piezas cinematograficas para dar difusión al septimo arte en forma de trailer.

Estos son los que pudimos ver en la Rueda de Prensa del Festival

Trailers del Atlántida Film Fest de Filmin


Trailer realizado por Dani García. Proyecto de colaboración entre el máster de montaje del ESCAC y FILMIN
Esta segunda pieza realizada por Neus Vich. Desde vimeo
TRAILER OFICIAL Atlántida Film Fest 2014 from Neus Vich on Vimeo.

Sofía Coppola nos traerá "La sirenita"

Poster mondo publicados en el septimo arte

La cineasta Sofía Coppola, que hasta hace poco tenía en las salas comerciales “The Bling Ring /Ladrones de la fama / Adoro la fama” tiene un nuevo proyecto a la vista, la adaptación con personajes reales del cuento de Hans Christian Andersen “La sirenita”, lo que supondría para la directora su primera incursión en el género fantástico y de fantasía. Este nuevo proyecto se encuentra enfocado dentro de la tendencia de Hollywood de llevar a la gran pantalla con actores los clásicos infantiles, como podremos ver con el próximo estreno de “Maléfica / Maleficent” protagonizada por Angelina Jolie.

En esta ocasión la autora de “Las Virgenes Suicidas / The Virgin Suicides” se sumergera en lo profundo del océano, para contar una historia que no dista mucho de la de las jóvenes de sus anteriores películas, en las que retrataba los problemas de adolescentes acomodadas con toques de rebeldía, y que parece conocer tan bien la “ilícita” del afamado director Francis Ford Coppola.

En estos momentos Caroline Thomson guionista de “Eduardo Manostijeras / Edward Scissorhands” se encuentra reescribiendo el guión en el que previamente habían trabajado Kelly Marcel (“Cincuenta sombras de Grey / Fifty Shades of Grey”) y Abi Morgan (“Shame”). El elenco es todavía un misterio pues se haya el proyecto en fase de preproducción.

Upstream color

¿Qué es peor, pensar que estás siendo paranoico, o saber que deberías estarlo?, eso se preguntaba Aaron, protagonista de “Primer” primera cinta de Shane Carruth y bien podrían planteárselo los personajes de su segundo largo. En “Upstream Color”el director vuelve a explorar los argumentos circulares (en lugar de la narración lineal a la que estamos acostumbrados) y como el ciclo de vida del parasito protagonista es elíptica la narración.
El universo de Carruth es enigmático y excepcional, y ve el cine como un experimento ( no en vano era matemático antes que cineasta) en el que pretende trasladar al espectador algo más que imágenes en movimiento. De esta manera, el autor, nos cautiva con imágenes que parecen normales pero están más cercanas a la ensoñación, prestando una especial atención a la banda sonora y convirtiendo su cine en una experiencia sensorial.

El personal universo de “Upstream color” prescinde de explicaciones, y en ocasiones los diálogos carecen de sintonía, y las escenas parecen  inconexas, para forzar al espectador a realizar una alineación mental a posteriori.
Una película que trata sobre la manipulación y el miedo a perder el control, pero también sobre el destino, y si nos unimos a los demás por casualidad o hay algo más, no en vano la pareja protagonista se conoce porque ambos han sido victimas de un estafador que utiliza la larva de un gusano introducida en las victimas para conseguir doblegar su voluntad y robarles así todas las posesiones, incluida una parte de ellos mismos.

En este sofisticado crimen, entra en escena un técnico de sonido rural, el cual con su grabaciones no solo atrae a los gusanos  dentro de las victimas, sino que se los extrae y los introduce en los cerdos que cría en su granja, creando una conexión entre los animales y sus huéspedes primigenios. Esta conexión es usada por el técnico cuando falto de inspiración para sus creaciones musicales acude a la piara, es decir, a las emociones compartidas con los humanos.

Un cine que reflexiona sobre la naturaleza de la condición humana sin caer en convencionalismos, y usando un puzzle de imágenes oníricas que juegan al desconcierto, terreno en el que el director se mueve perfectamente. Dejando atrás los temas científicos y morales de su primera obra y centrandose más en lo lírico y esotérico, y en lo inexplicable y poco racional que puede ser el amor entre dos personas, nos muestra en esta  ocasión, que el encuentro de los protagonistas no es sino    fruto de que los cerdos que albergan los parasitos de los  jóvenes se encuentren.

Un color, el azul, que marca las orquídeas en las que se encuentra el parasito, y que sirven al estafador para encontrar las flores que debe comprar. Unas flores que crecen salvajes alimentadas por los porcinos muertos en descomposición en el bosque, cerrando así el ciclo vital del gusano, y por lo tanto, de nuestra historia.

Carruth cual hombre del renacimiento, o autentico mago del low cost, acomete todas las labores que puede dentro de la cinta ( no en vano han pasado casi 10 años desde su primer film) siendo así, director, guionista, interprete, músico, fotógrafo, productor.. no siendo llevadas todas a cabo con igual acierto, pero con una valoración final bastante satisfactoria.

Hipnótica durante la primera hora de metraje, te mantendrá en tensión  en su recta final tratando de que todo cobre sentido.



(Esta película pudimos verla en el Festival de Sitges, posteriormente en el Américana, y se verá en el Atlántida fillm fest)


Estreno en cines UPSTREAM COLOR de Shane Carruth el 28 DE MARZO