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miércoles, 28 de enero de 2015

Samba: Estreno 27 de febrero

A CONTRACORRIENTE FILMS estrenará en nuestro país una de las producciones francesas más importantes del 2014: SAMBA de Eric Toledano y Olivier Nakache. Es el primer proyecto que dirigen los directores de “Intocable” después del fenómeno mundial que representó la película: más de 19 millones de espectadores en Francia, más de 8 millones de espectadores en Alemania y más de 2.5 millones de espectadores en España. 
 
SAMBA está protagonizada por Omar Sy (“Intocable”, “X-Men: Días del futuro pasado”), Charlotte Gainsbourg (“Melancolía”, “Nymphomaniac”), Tahar Rahim (“Un profeta”, “El pasado”) e Izïa Higelin.
 
Tras su paso por el Festival de Toronto, la película tuvo su premiere europea en el Festival de San Sebastián, donde clausuró la última edición. Poco después, SAMBA se estrenó en Francia de la mano de Gaumont donde sedujo a más de 3 millones de espectadores, convirtiéndose en una de las películas más vistas del pasado año.
Los directores Eric Toledano y Olivier Nakache visitarán Barcelona y Madrid para la promoción de SAMBA el 11 y 12 de febrero. Próximamente os daremos más detalles de su visita y de los pases de prensa organizados.


Sinopsis:
Samba llegó a Francia desde Senegal hace 10 años y siempre ha tenido trabajos de segunda. Y Alice es una directora ejecutiva que lleva unos meses muy estresada. Él está dispuesto a hacer lo que haga falta para conseguir el permiso de trabajo, mientras ella intenta dejar atrás su vida anterior, trabajando como voluntaria en una ONG. Ambos luchan para salir del callejón sin salida que son sus vidas... hasta que el destino los une.

La prensa ha dicho de ella:

*****
Télé 7 Jours
 
"Un festival de emociones”
20 minutes
 
“Omar Sy es un formidable Samba”

JDD

“Un film que transmite ganas de bailar, reír y llorar”
Première
  

 
“Tierna y divertida”
Le Monde

 
“Tahar Rahim, prodigioso y Charlotte Gainsbourg, perfecta”

Le Figaro Magazine
 
“Una película humanista y divertida, de una inmensa generosidad”
Le Parisien
 

“Nakache y Toledano son el mejor antídoto para el mal rollo”

Blai Morell (RAC1)

 


lunes, 26 de enero de 2015

Nightcrawler: Entrevista a su director Dan Gilroy

 Entre los materiales de prensa del dossier proporcionado por Filmax se encuentra esta entrevista con Dan Gilroy, director de Nightcrawler, que os trascribimos. Agradecemos los materiales a la distribuidora. Sobretodo esta completa entrevista que NO hemos realizado nosotros y que solamente difundimos para la promoción de la película.
Creemos que con lo que vaís a leer a continuación os vais a sentir fascinados por la película y la figura de ese "nightcrawler" tratando de buscar esos 20 minutos de fama.


 


Entrevista con Dan Gilroy, director de Nightcrawler 

P: ¿Cómo se le ocurrió la idea? 
R: Hace muchos años me interesé enormemente por un fotógrafo de escenas de crimen de los años 30 y 40 llamado Weegee (pseudónimo de Ascher Fellig). Sus instantáneas eran verdaderas perlas entre los coleccionistas. Fue el primero en ponerse un escáner de emisoras de policía en el coche, en Nueva York. Eso fue sobre 1940. Se ponía a conducir por la ciudad y se las arreglaba para llegar a las escenas del crimen antes que nadie. Era un fotógrafo extraordinario, pero no encontré la forma de realizar un filme ambientado en la época, así que aparqué la idea y me mudé a Los Ángeles. Hace unos años oí hablar de los nightcrawlers, esa gente que conduce por Los Ángeles a 160 por hora con los escáneres en marcha. Como guionista, pensé ‘Este mundo es fascinante’, pero no supe exactamente qué hacer con él. Solamente era parte de la idea. Para mí, las ideas llegan poco a poco, nunca formadas del todo. Aquello era parte de la idea, y no supe qué hacer con ella hasta que pensé en Lou, el personaje que la iba a protagonizar. Una vez conectados el mundo y el personaje, fue como tener dos partes complementarias del átomo, y de repente todo cobró sentido. Entonces ya supe qué quería hacer con aquellos dos elementos”.  


poster alternativo vía filmin
P: ¿Conocieron a algún nightcrawler real? 
R: Sí, Jake y yo, junto con el director de fotografía Robert Elswit, fuimos un par de noches con un tipo llamado Howard Raishbrook, que nos hizo de asesor técnico. Fue espeluznante. La primera acción que vimos fue un horrible accidente de tráfico, en el que tres niñas habían salido disparadas del coche tras chocar de frente contra un muro. Sinceramente, creo que en la vida me quitaré esa imagen de la cabeza. Creo que Jake, Robert y yo nos quedamos estupefactos, mirando, mientras que aquel hombre salió de su vehículo con toda profesionalidad, filmó la escena, editó el video en cinco minutos y lo vendió a cuatro televisiones. Tanto él como el resto de personas que hacen esto se ven a sí mismos como legítimos proveedores de servicios. En sus cabezas, las historias que están filmando sólo son las noticias de apertura de los informativos locales de Los Ángeles, así que si hay demanda de este material, ¿quién soy yo para juzgarles o para decir que lo que hacen está mal? Obviamente, el personaje de Lou cruza la línea roja en varios momentos y deriva hacia un mundo amoral, pero yo nunca he querido retratar así a estas personas, ni a los medios informativos, ni siquiera a Lou. Nunca quise ponerle una etiqueta moral y decir ‘Esto está mal’. Creo que en cuanto el cineasta aplica la inmoralidad a algo está impidiendo que el espectador tome sus propias decisiones al respecto. Mi moralidad puede ser muy distinta a la tuya, y lo que para mí es importante, podría no ser tan prioritario para ti. Quisimos reflejar este pequeño nicho de mercado y
los medios de Los Ángeles de la forma más realista posible, y dejar que espectador decida quién es el malo y dónde radica el problema  

P: ¿De dónde viene la demanda de este tipo de imágenes? 
R: Viene de nosotros mismos, porque estadísticamente, como raza, parece que a los humanos nos gusta ver las cosas de forma gráfica y cruda. Probablemente se remonte a los neandertales, que miraban cómo los leones mataban a las gacelas y pensaban ‘Ahí hay sangre, eso es interesante’. Y parece que nosotros tendemos a mirar la violencia. Quizá no todos, pero sí es cierto que mucha gente lo hace. Sólo hay que fijarse al dilema en que se encuentra el personaje de Rene [Russo] como directora de informativos. Sus audiencias se basan en lo que muestra, y cuanta más sangre, más audiencia. Creo que mi principal esperanza, al final de la película, es que la gente salga pensando ‘yo soy de los que miran esas cosas en televisión. Eso no me convierte en mala persona, pero ¿qué está diciendo de mí? ¿Por qué siento esta extraña conexión con Lou? ¿Por qué lo que él ve interesante a mí también me lo parece, y por qué no me voy ahora mismo del cine? Porque lo que está haciendo es del todo reprensible. En realidad no le juzgamos, y de hecho, hasta legitimamos lo que consigue o incluso lo celebramos. 

P: ¿Cambió su propia visión del periodismo durante el rodaje? 
R: No, sigue siendo la misma. Yo fui periodista, trabajé para Variety hace muchos años, así que el periodismo me interesa directamente, pero soy consciente de que en los Estados Unidos, hace décadas, las cadenas de televisión decidieron que las secciones de Informativos tenían que ser rentables, cuando nunca había sido así. Creo que en cuanto se pretende que los informativos de un medio ganen dinero, las noticias se convierten en un entretenimiento, y pienso que todos perdimos un gran valor cuando aquello sucedió, porque más que obtener historias en detalle que nos educan y nos informan, nos dan narrativas confeccionadas para vender un producto. La narrativa de Los Ángeles, y creo que la de la mayoría de cadenas de información locales –Michael Moore lo trató en Bowling for Columbine–, es la narrativa del miedo. Es una regla de tres: si no estás viendo mi canal estás en peligro porque ahí fuera hay cosas que te pueden matar a ti y a tu familia, y si no estás viendo esto (con publicidad intercalada, por supuesto), no sabrás lo que es. Es una fórmula muy potente y eficaz. Esto es lo que resuelve toda la ecuación.   
poster alternativo de la web shortlist.com

P: ¿Qué debería cambiar? 
R: Es un problema de tales dimensiones que no le veo una solución. Sinceramente, no quisiera ser la persona que ponga una barrera moral que separe lo que puede verse y lo que no. Mi única esperanza es la autoconciencia. Por ejemplo, si vas conduciendo por la autopista en Los Ángeles y hay un atasco, y llegas al origen del colapso, donde te encuentras cinco muertos por un accidente en un carril que va en sentido contrario, la gente lo que hace es reducir la velocidad para mirar qué ha pasado. Y yo me digo: ‘no
mires. No te conviertas en parte del problema’. A veces lo consigo y a veces no. Y lo que me gustaría es que cuando los espectadores vean la película, reflexionen y cobren un poco más de conciencia al respecto –¿Por qué miro esto? Ya no tanto si deben o no deben mirar–, sólo para ser conscientes del mundo en que vivimos, lo cual sería para mí la principal esperanza.    

P: ¿Cree que las noticias de la televisión están yendo demasiado lejos, como lo hace el personaje de Rene? 
R: Pondré un ejemplo muy claro. Como es sabido, Los Ángeles es la capital mundial de persecuciones automovilísticas. En las cadenas locales, la emisión en directo tiene seis segundos de diferido, porque a veces disparan a alguien, y teóricamente una emisora ética de noticias locales no debe mostrar tales imágenes. Pues bien, en los últimos años, ese retraso no ha funcionado o no ha servido para evitar la retransmisión en directo de una ejecución. Ves eso y empiezas a pensar que a uno u otro se le habrá ocurrido lo de “¿Para qué demonios necesitamos el diferido de seis segundos? ¡Si la audiencia se va por las nubes cuando mostramos la ejecución!” Las sanciones de la Comisión Federal de Comunicaciones no son tan altas como para evitar tales situaciones. 

P: ¿Deberían elevarse las multas? 
R: No pretendo proponer una solución. Yo lo que quiero es tratar de presentar un retrato preciso de lo que está pasando. Tengo mi propia opinión de lo que sucede, pero creo que la gente debería estudiar el problema personalmente. Deberían hablar y pensar acerca de esta situación. 

P: ¿Lo pondría al mismo nivel de las recientes ejecuciones de Estado Islámico y la disponibilidad de los vídeos de los degollamientos?  
R: Absolutamente. Para mí esa es la línea roja. Yo soy incapaz de ver esas imágenes. No las quiero tener en mi cabeza. Hay determinadas cosas que no puedo mirar, como aquel accidente, sigo sin poder olvidar aquella noche. Pero sí, es cierto que hay mucha gente proclive a mirar escenas escabrosas. Se dice que la violencia instiga más violencia en la sociedad, y no sé si eso es cierto. No sé si mirar esas imágenes desensibiliza a la gente o no, no estoy seguro. No creo que, como sociedad, sea sano para nosotros consumir esos videos al nivel que los consumimos, pero es como la comida rápida. Odio pontificar sobre eso, pero se podría mirar a los proveedores de comida rápida y decir ‘son unos criminales; nos están perjudicando la salud’. Sin embargo, nosotros seguimos queriendo comer fast food. Por tanto, ¿quién es el malo? 
poster alternativo de la web twitchfilm.com

P: ¿Esta película trata sobre la falta de privacidad? 
R: Bueno, no es muy distinta de TMZ, la web de chafarderío, y lo que hacen sus
paparazzi. Lo que hace Lou es en realidad la versión de telenoticias de lo que hacen los paparazzi en la prensa rosa, y creo que la línea ahí es muy difusa. Este tipo de cobertura mediática puede hacer daño a la gente. A la gente la pueden matar, y tú vas y lo filmas. 

P: Lou parece representar a millones de jóvenes en paro, a los que cada día les piden que vayan más y más lejos para probar su valía
R: Ésa es exactamente la génesis del personaje. Soy muy consciente de que existen decenas de miles de jóvenes en todo el mundo que carecen de un trabajo, ya sea a causa de la globalización, o por la corporatización, o por como queráis llamarle. La juventud tiene cada vez menos esperanzas de encontrar una salida profesional. Las prácticas no conducen a nada, no hay seguridad social, y yo tengo todo esto muy presente. Los jóvenes cada vez tienen más dificultad para encontrar carreras con salidas. Las prácticas quedan en nada, no hay seguridad social, y yo tengo muy presente todo esto. Comencé con Lou como un personaje desesperado por encontrar empleo, hablando con el dueño de una chatarrería, lo que en el argot del parado sería una ‘presentación de ascensor’. Y se llama ‘de ascensor’ porque en el día menos pensado te puedes encontrar en un ascensor con alguien que te podría dar trabajo, así que tienes que ser capaz de venderte en 30 segundos. Y Lou quería ese trabajo en la chatarrería. Aquél habría podido ser un buen trabajo para él, sin tener que salir a hacer daño a los demás. Sólo es un joven desesperado, y en el mundo hay muchos jóvenes desesperados que se ven forzados, según mi parecer, a tomar decisiones y a aceptar trabajos que en condiciones normales rechazarían.   
poster alternativo via filmin

P: Por varios motivos, ésta es la historia de un éxito. ¿Está criticando un mundo en el que Lou puede obtener recompensa de este tipo de trabajo? 
R: Podría verse como una crítica, pero yo lo que me propuse fue retratar de forma objetiva lo que creo que es una realidad. Tengo la sensación de que si volviera al cabo de diez años, Lou sería el dueño de una gran empresa. Creo que mucha gente que asciende a lo más alto de una multinacional toma decisiones mucho peores que las de Lou, así que Lou estaría perfectamente preparado para entrar en ese mundo. Cuando eres capaz de dejar sin pensión a 40.000 personas y luego comprarte un yate de 120 metros, eso es mucho más criminal que lo que hace Lou. Con su experiencia como nightcrawler, Lou prosperaría en el consejo de administración de una gran empresa, para bien o para mal –y creo que eso se puede ver como una crítica. Pero yo lo que intenté es reflejar lo que creo que es la realidad. 

P: ¿Cómo creó el lenguaje específico que usa Lou? 
R: Cuando tuve la idea de que Lou padecía un desajuste social –quizá por algún trastorno del espectro del síndrome de Asperger o autismo, si cabe el diagnóstico– y
también un cierto abandono, y al ver que no tenía ningún tipo de apoyo emocional, imaginé que Internet podría convertirse en su verdadera familia, de modo que todo lo que dice lo saca de Internet. Lo tiene todo memorizado y lo recita cuando cree que es apropiado, pero a menudo no lo es. Todo lo que dice tiene algún matiz fuera de lugar, y al fin y al cabo de ahí le sale el humor, porque la mitad de lo que expresa es absurdo. Hay una frase al final, cuando Rick pide más dinero y la tensión aumenta, en que Rick dice una palabrota, a lo que Lou responde: ‘¿Sabía que nunca he dicho una palabrota ante un jefe?’. Es un sinsentido, es absurdo. Adopta una especie de conducta corporativa respetable que no tiene conexión alguna con lo que está pasando. Está desconectado.   

P: ¿Cómo fueron sus conversaciones con Jake? 
R: Muy intensas y profundas. Viajé a Atlanta cuando estaba rodando Prisioneros para proponerle el papel. Fuimos a cenar y enseguida decidimos que íbamos a colaborar muy intensamente, con mucho ensayo previo. Yo soy una especie de jugador descerebrado y me gusta asumir riesgos, y Jake no le teme a nada y quería probar cosas nuevas. Respetó el guión y no tocó ni una coma. Lo quiso enfocar como si se tratara de una obra de teatro. Yo trabajé muy contento con él, porque respeta el trabajo, y yo por mi parte quise respetar su capacidad de llegar y dar nueva vida al proyecto de una forma en que yo no habría sido capaz. Por ejemplo, la pérdida de peso: ¡fue una idea de Jack!”. 

P: ¿Cómo te lo propuso? 
R: Estuvimos hablando mucho acerca del símbolo del personaje, y nos imaginamos un coyote. No hay coyotes gordos, todos están permanentemente flacos. Siempre están famélicos y por la noche bajan de las montañas para comer. Así que ideamos a Lou como un depredador nocturno. Jake dijo: ‘Los coyotes están siempre flacos. Estoy pensando en ponerme aspecto de coyote’. A lo que respondí: ‘Muy bien’, pero sinceramente, como director con responsabilidades sobre las personas, aquello era una propuesta que me daba miedo. Ahora todo tiene sentido, pero creedme que me entró miedo cuando llevaba 10 kilos perdidos y empezaron los rodajes diarios. Empiezas a mirarle y piensas ‘Oh, Dios, ¿realmente tenemos que pasar por esto?’ Pero ahora veo que funcionó a la perfección. Cuando ves Prisioneros, ves que Jake creó aquel personaje, con sus tatuajes y su tic en el ojo. Esto es lo mejor que le puede pasar a un director. Por eso me vi obligado a aceptar la propuesta y responderle ‘Es una idea interesante. Vamos a probarla’. Jake quiere probarlo, y sabía que dejarle probar una idea suya era conseguir sacar el máximo partido de Jake. Creo que hicimos tan buenas migas porque a ninguno de los dos nos da miedo probar cosas nuevas. Hubo momentos en que Jake hacía algo en el set de rodaje e incluso yo tenía mis dudas. Pensaba: ‘Ahí creo que se ha pasado’. Pero luego lo ves en la sala de edición y dices ‘¡Maldita sea, es justo lo que quería hacer!’ Fue un auténtico placer trabajar con él.  

P: ¿Los que salen en la emisora son periodistas reales?  

R: Todos los periodistas que salen en la película son reales. Son las estrellas de las noticias locales de Los Ángeles. 

P: ¿Alguno de ellos se lo tuvo que pensar para participar en la película? 

R: Yo les pregunté: ‘¿Habéis leído el guión? ¿Queréis participar?’ Y todos respondieron: ‘¡Pues claro!’ Y creo que además pensaron: ‘Ésta no es nuestra emisora. Son las otras, las que hacen eso’.   

P: Háblenos de la incorporación de Rene al proyecto

R: Escribí el papel para ella porque siempre he visto a Nina como alguien con un exterior duro. Y parece que sólo estemos tratando de encontrar el lado humano de Lou, pero yo también quise reflejar el lado humano de Nina. Nunca quise que la gente se limitara a mirar a Nina y pensara: ‘Ahí tenemos a una mujer que está desesperada y fuerza que las cosas funcionen en su propio beneficio’. Nina es una mujer que está en un punto de su vida en el que el seguro médico es extremadamente importante, y pagar el alquiler todavía lo es más. Y yo sabía que Rene podría sacar a relucir esta otra faceta. Lo que más me gusta de la escena del restaurante con Rene es el momento en que ella cuenta que tiene un contrato de dos años, y entonces baja la cabeza como asintiendo ligeramente, y puedes ver cómo todo se rompe, y ves que es real. Creo que Rene tiene la capacidad de proporcionar un lado empático y humano que añade una nueva dimensión a un personaje que se podría considerar convencional. Lo escribí pensando mucho en ella. Esa es mi escena favorita de la película, la escena que comparten ellos dos.  

P: ¿Cuál fue el principal reto al hacer esta película? 

R: Teníamos 80 localizaciones y solamente 28 días para rodar. Hubo ocasiones en que nos llegamos a trasladar dos veces en una misma noche. Agarras a 100 personas y una caravana de vehículos de más de medio kilómetro y te vas a otra localización a las dos de la madrugada para rodar tres páginas de guión. Lo raro de esto es que, en la mayoría de filmes con presupuesto ajustado, cuando ruedas en exteriores, la jornada termina al ponerse el sol. Para nosotros, la jornada terminaba al amanecer. En cuanto los pájaros empezaban a cantar, ya decíamos ‘¡Vaya, va a salir el sol! ¡Cinco minutos de oscuridad más, por favor!’ Esa era la parte más complicada. Cuando Jake corría por la carretera para decirle a Rick ‘Tendrías que haber hecho esto o lo otro’, Pero los pájaros ya estaban cantando y los repartidores de periódicos trabajando por todas partes. 

P: ¿Han visto ya la película los verdaderos nightcrawlers?

 R: ¡Oh, sí!, Howard la vio con sus hermanos –trabajan juntos–, y les encantó. Les gustó mucho porque es fidedigna, y para ellos eso era muy importante. Al principio fueron reacios a participar, pero después se preocuparon de que los códigos de la policía fueran los correctos y que las cosas se dijeran según su argot. Argumentaron que si se implicaban, aquello tenía que ser real, que había que mostrarlo todo tal como es. Y es del todo real. Todo lo que mostramos lo es, incluso gente como el personaje que interpreta Bill Paxton, que es un hombre que existe de verdad y tuve la ocasión de conocer personalmente. Éste es el mundo en que vivimos. Esta noche también saldrán. Salen a merodear los siete días de la semana.   
 
P: ¿Y es lucrativo? 
R: Sí, se ganan 50, 75, 100.000 dólares al año. Es lucrativo, comparado con otros trabajos. 

P: ¿Qué opina de todos los rumores de Oscar que rodean a su película?
 R: Es muy alentador que la gente nos ponga a este nivel, pero no es una cosa que yo realmente esté buscando. Creo que es peligroso cuando sales a la calle, alzas los brazos saludando y empiezas ‘¡Eh, estamos aquí, miradnos!’ Creo que tratar de llamar la atención se puede volver en tu contra. Yo sólo quiero que la gente vaya a ver la película y a ver qué pasa. Si al final resulta que tiene éxito y popularidad, sería maravilloso, pero creo que ahora aún es pronto para pensar en eso.

Nightcrawler

 Nightcrawler, el film que cuenta con Jake Gyllenhaal como protagonista es una de las pelis más esperadas de este 2015 que acabamos de empezar. Desde Filmax España han puesto a nuestra disposición las notas de prensa y las notas de producción para poder contaros todo sobre esta producción tan esperada.
Les agradecemos el material porque como podéis ver, esta historia que se estrenará el 30 de Enero, no tiene desperdicio.
Te vayan mejor o peor las cosas creo que conseguiremos conectar y sentirnos identificados, por ese lado oscuro que todos tenemos, por la decadencia del mundo actual, y el ansia de hacer algo, "lo que sea y a la desesperada" muchas veces, para demostrar lo que valemos, y conseguir aquello que soñamos.
Nightcrawler nos presentará la dualidad humana, como las dos partes de esta ciudad. En esta era completamente "radiada" todos estamos expuestos, y la imagen como nueva religión.
 
Nightcrawler es el debut en la dirección de Dan Gilroy, que también firma el guión, por el que ha recibido la nominación al Oscar a Mejor Guión Original. Nightcrawler  es un sorprendente e inquietante thriller protagonizado por Jake Gyllenhaal (Prisioneros; Zodiac), Bill Paxton (Al Filo del Mañana, serie ‘Big Love’),  Riz Ahmed (Four Lions) y Rene Russo (En la línea de fuego; El Secreto de Thomas Crown), entre otros.


 Cuando Dan Gilroy oyó hablar por primera vez del turbio y nocturno mundo de los “nightcrawlers” (merodeadores nocturnos), la versión televisiva de los paparazzi de las revistas, armados con videocámaras, que aparecen rápidamente en escenas del crimen, accidentes de tráfico e incendios para captar imágenes que luego venderán a las televisiones, enseguida tuvo la intuición de que aquello era tierra fértil para una película.  

“Hace unos años oí hablar de los llamados nightcrawlers, que conducen a toda velocidad por Los Ángeles escaneando emisoras de emergencias. Y como guionista que también soy, pensé que este era mundo es fascinante, aunque todavía no sabía realmente qué hacer con él”, admite.  

“Aquello fue parte de la idea. Para mí, las ideas vienen poco a poco, nunca formadas del todo. Y no supe qué hacer con aquello hasta que pensé en Lou, el personaje que protagonizaría la historia”.  
“Una vez conectado el personaje con aquel mundo, fue como tener dos partes complementarias del átomo, y de repente todo cobró sentido. Ya sabía qué hacer con el mundo de los nightcrawlers y con el personaje”. 
El resultado es la película Nightcrawler, y su personaje central e inolvidable es Lou, un ambicioso joven con ansia de triunfar y de vivir el sueño americano –aunque ello conlleve filmar las pesadillas de los demás. 
Interpretada por Jake Gyllenhaal, al principio de la historia encontramos a Lou luchando por sobrevivir en el duro mundo actual, donde conseguir un empleo –el que sea– cada vez es más difícil. 
“Soy muy consciente de que existen decenas de miles de jóvenes en todo el mundo que carecen de un trabajo, ya sea a causa de la globalización, o por la corporatización, o por como queráis llamarle”, explica Gilroy.  
“Los jóvenes cada vez tienen más dificultad para encontrar carreras con salidas. Las prácticas quedan en nada, no hay seguridad social, y yo tengo muy presente todo esto. Comencé con Lou como un personaje desesperado por encontrar empleo, hablando con el dueño de una chatarrería, y haciendo lo que en el argot del parado sería una ‘presentación de ascensor’”.

“Y se llama ‘de ascensor’ porque en el día menos pensado te puedes encontrar en un ascensor con alguien que te podría dar trabajo, así que tienes que ser capaz de venderte en 30 segundos. Y Lou quería ese trabajo en la chatarrería”. 
“Aquél habría podido ser un buen trabajo para él, sin tener que salir a hacer daño a los demás. Sólo es un joven desesperado, y en el mundo hay muchos jóvenes desesperados que se ven forzados, según mi parecer, a tomar decisiones y a aceptar trabajos que en condiciones normales rechazarían”. 
Pero un día Lou ve casualmente un accidente en la autopista y se encuentra con un veterano nightcrawler, Joe Loder, grabando los intentos de la policía por rescatar al conductor atrapado y herido, e inmediatamente se queda intrigado y fascinado. Le empieza a preguntar a Loder –interpretado por Bill Paxton– sobre lo que gana por vender esas imágenes a los canales locales de información, e inmediatamente decide que ha encontrado su vocación. Lou roba una bicicleta y la cambia por una videocámara para iniciarse como nightcrawler. 
Antes de rodar, Gilroy, Gyllenhaal y el director de fotografía, Robert Elswit, pasaron un tiempo con nightcrawlers reales por las calles de Los Ángeles, en plena noche. Aquello les proporcionó una valiosa información acerca del mundo que estaban a punto de retratar.  

“Ahora soy muy amigo del hombre que hace esto, al que no voy a juzgar. Tanto él como el resto de personas que graban estas escenas se ven a sí mismos como legítimos proveedores de servicios. En sus cabezas, las historias que están filmando sólo son las noticias de apertura de los informativos locales de Los Ángeles, así que si hay demanda de este material, ¿quién soy yo para juzgarles o para decir que lo que hacen está mal?” 
“Obviamente, el personaje de Lou cruza la línea roja en varios momentos y deriva hacia un mundo amoral, pero yo nunca he querido retratar así a estas personas, ni a los medios informativos, ni siquiera a Lou”.  
“Nunca quise ponerle una etiqueta moral y decir ‘Esto está mal’. Creo que en cuanto el cineasta aplica la inmoralidad a algo está impidiendo que el espectador tome sus propias conclusiones.

“Mi moralidad puede ser muy distinta a la tuya, y lo que para mí es importante, podría no ser tan prioritario para ti. Quisimos reflejar este pequeño nicho de mercado y los medios de Los Ángeles de la forma más realista posible, y dejar que el espectador decida quién es el malo y dónde radica el problema”.  

El trabajo con Gyllenhaal fue una colaboración “intensa” y muy recompensante, según el director. El actor perdió 12 kg para interpretar el papel, porque él quería que Lou tuviera un aspecto demacrado, famélico, que encajara con el perfil del vagabundo andrajoso desesperado por triunfar.  

“Viajé a Atlanta cuando estaba rodando Prisioneros para proponerle el papel. Fuimos a cenar y enseguida decidimos que íbamos a trabajar muy intensamente, con mucho ensayo previo. Soy una especie de jugador descerebrado y me gusta asumir riesgos, y Jake no le teme a nada y quería probar cosas nuevas.  

“Respetó el guión y no tocó ni una coma. Lo quiso enfocar como si se tratara de una obra de teatro. Yo trabajé muy contento con él, porque él respeta el trabajo, y yo por mi parte quise respetar su capacidad de llegar y dar nueva vida al proyecto de una forma en que yo no habría sido capaz. Por ejemplo, la pérdida de peso: ¡fue una idea de Jack!”.

Gilroy escribió el papel de Nina Romina, la jefa de informativos de TV que alienta a Lou a conseguir más y más exclusivas, con imágenes extremas. Y lo hizo teniendo en mente a su esposa, la también actriz Rene Russo. 
“Escribí el papel para ella porque siempre he visto a Nina como alguien con un exterior duro. Y parece que sólo estemos tratando de encontrar el lado humano de Lou, pero yo también quise reflejar a vertiente humana de Nina. 

 
“Nunca quise que la gente se limitara a mirar a Nina y a pensar: ‘Ahí tenemos a una mujer que está desesperada y fuerza que las cosas funcionen en su propio beneficio’. Es una mujer que se halla en un punto de su vida en el que el seguro médico es extremadamente importante, y pagar el alquiler todavía lo es más. Y yo sabía que Rene podría sacar a relucir esta otra faceta”. 
Nightcrawler supone el debut de Gilroy como director. Su filmografía como guionista incluye títulos como Freejack: Sin identidad, The Fall. El sueño de Alexandria, Apostando al límite, Acero puro y El legado de Bourne.

Preestreno: EL DESTINO DE JUPITER (Con Warner y Sensacine)

Nos vamos de PREESTRENO gracias a Warner y Sensacine, podrás ver en exclusiva y antes que nadie el esperado peliculón de los hermanos Wachowski (Directores de Matrix).


Os esperamos el próximo 5 de FEBRERO EN LOS CINES LYS DE VALENCIA (Paseo Rusafa,3), a las 20.00 horas. ( Como siempre esa es la hora de inicio de la peli, deberéis llegar antes para pasar lista)

----> Para concursar por las entradas dobles:

1. Debéis responder verdadero o falso  a la pregunta:

   ¿El Destino de Júpiter es la tercera película en la que las estrellas Channing Tatum y Mila Kunis han aparecido juntos?

2. La respuesta la podéis mandar a los medios habituales, de donde tenéis que ser seguidores:
 
Twitter: @laprincesa_blog
Página de facebook: La princesa prometida blog 
mail: elbloglaprincesaprometida@gmail.com

Ejemplo de texto a enviar: 
Me voy al preestreno de #ElDestinoDeJupiter con @laprincesa_blog y la respuesta es: XXXXXX

Difundir el concurso para que todos vuestros amiguitos puedan ir!      


Recuerda que la cinta se estrena el próximo 06 de febrero.

Inicio del concurso: 26 enero 2015
Fin del concurso: 03 febrero 2015



Si queréis verla en otras ciudades como Madrid o Sevilla, os dejamos la forma de participar gracias a los compañeros de Sensacine y De fan a fan.

 - Madrid: Participa en Sensacine
-Sevilla: Participa en De Fan a Fan


 No podéis perderos una de las pelis del año, que además se grabo en parte en Bilbao!

 

domingo, 25 de enero de 2015

Into The woods: (III)

El Vestuario:
Para la diseñadora de vestuario Colleen Atwood, que ganó Oscars® por “Alicia en el País de las Maravillas”, “Chicago” y “Memorias de una geisha”, la oportunidad de diseñar el vestuario de todos estos personajes de cuentos de hadas diferentes era impagable. Y el hecho de que “Into the Woods” fuera la cuarta colaboración de Atwood con el director Rob Marshall, fue la guinda del pastel.
Atwood lo explica así: "Conecté con Rob desde que nos conocimos y desde entonces hemos desarrollado un sistema de trabajo fantástico. Rob se implica en el proceso de diseño pero al mismo tiempo no impone lo que quiere”.
La inspiración de todos los diseños de Atwood para "Into the Woods" y muchos de los trajes de los personajes incluían de alguna manera la textura de la madera. Por ejemplo, el traje de Bruja que lleva Meryl Streep, se hizo con diminutos trozos de cuero que se cosieron a la gasa y después combinado con cuero que parecía una corteza agrietada.
 
Cuando trabajas con una actriz como Meryl, lo que estás haciendo es colaborar con lo que va a hacer vistiendo ese traje”, explica Atwood. “El movimiento forma parte de su personaje, y ella supo desde el principio que la Bruja iba a estar en cuclillas, en una postura en la que era casi como una araña”.
Continúa diciendo: "Cuando la Bruja se transforma en la película, cogí el mismo tema y lo pulí un poco con satén y telas más finas. Exageré los hombros, le di más volumen y lo hice en un color diferente”.
Al hablar del trabajo de Atwood, Streep afirma: “Colleen es un tornado. Su trabajo es muy imaginativo, libre y dramático, y al mismo tiempo, es muy conocida por su atención a los detalles. Su trabajo está muy pensado y además es precioso y delicado”.
Me impresionó lo elaborado que es el trabajo de Colleen. Además todo estaba relacionado con el mundo natural de la tierra y el Bosque”, dice el productor John DeLuca. “Siempre trabaja a partir del personaje y su imaginación es una fuente de inspiración inagotable para todos, incluidos los actores. Sin olvidar que tiene un gusto exquisito”.
Había que crear un mundo de cuento de hadas totalmente original así que se decidió que la película no se refiriera a ninguna época en particular.

 
Atwood habla del traje: "La idea del Lobo es que se trata del Lobo que imagina Caperucita Roja. Así que no queríamos ponerle a Johnny un traje de lobo o un cuello de pieles. Le enseñe una idea que consistía en bordar el patrón de piel en un trozo de lana muy fina que después serviría para hacer el zoot suit a medida”.
Y añade: “Trabajé con una bordadora para conseguir la sensación de una piel que fuera rasa, que se moviera y que no fuera demasiado gruesa. Entonces vi una vieja peluca de los años 20 en la que me inspiré para la cola y el cuello del traje. Además quería que las orejas salieran del sombrero. Lo hicimos aún más divertido haciendo que las garras salieran de un par de guantes blancos y las botas se parecieran a las patas del lobo”.
Para los personajes del Panadero y de la Mujer del Panadero, que encarnan James Corden y Emily Blunt, Atwood quiso que parecieran una pareja victoriana, pero la diseñadora tuvo mucho cuidado para que no fueran demasiado estirados. Blunt lo explica: "Era necesario que la Mujer del Panadero tuviera un aspecto ligeramente descuidado. Y Colleen no sólo hizo vestidos maravillosos sino que logró que no se notase que estaba embarazada durante el rodaje. Lo gracioso es que interpretaba a un personaje que quería desesperadamente tener un hijo mientras yo estaba embarazada”.
Atwood también se inspiró en diferentes lugares y épocas, y en el caso de Jack (Daniel Huttlestone), y la madre de Jack (Tracey Ullman), se basó en gente de pueblo de principios del siglo pasado y víctima de la pobreza”. Por otro lado, Cenicienta (Anna Kendrick) y el Príncipe de Cenicienta (Chris Pine) son lo que ella denomina "nuevos románticos". “El vestuario es precioso y con muchísimos detalles. En cierto modo es de época, pero con un estilo muy hermoso y tan detallado. En cierto modo es verdad período, pero con un toque novedoso, casi como un estudio sobre ropa de época mezclada con alta costura”, dice Kendrick. “Estamos en un mundo musical, de fantasía, y cada personaje es de una época ligeramente diferente. Ha sido genial para nuestro equipo creativo ya que dio a todos una gran libertad para mezclar elementos de todo tipo de modas.

 
Atwood también se inspiró en diferentes lugares y épocas, y en el caso de Jack (Daniel Huttlestone), y la madre de Jack (Tracey Ullman), se basó en gente de pueblo de principios del siglo pasado y víctima de la pobreza”. Por otro lado, Cenicienta (Anna Kendrick) y el Príncipe de Cenicienta (Chris Pine) son lo que ella denomina "nuevos románticos". “El vestuario es precioso y con muchísimos detalles. En cierto modo es de época, pero con un estilo muy hermoso y tan detallado. En cierto modo es verdad período, pero con un toque novedoso, casi como un estudio sobre ropa de época mezclada con alta costura”, dice Kendrick. “Estamos en un mundo musical, de fantasía, y cada personaje es de una época ligeramente diferente. Ha sido genial para nuestro equipo creativo ya que dio a todos una gran libertad para mezclar elementos de todo tipo de modas.

 
Cuando hablé con Colleen por primera vez, ambas teníamos la misma idea sobre la familia de la madrastra", dice Baranski. “Nos pareció que su hubiera sido una familia moderna hubieran tenido su propio reality en la televisión. Son lo más, tienen dinero, y están obsesionadas con el pelo, el maquillaje y la moda”.
En el caso del personaje de Caperucita (Lilla Crawford), Atwood se inspiró se atuvo a los parámetros de las ilustraciones de los cuentos de hadas de finales de los años 30, pero para Rapunzel (MacKenzie Mauzy) y el Príncipe de Rapunzel (Billy Magnussen), se atrevió a imprimirles un aire más medieval y más oscuro. En palabras de Mauzy: "Mis trajes llevaban todas esas cuerdas que casi me aprisionaban; simbolizaban mi vida en la torre. Pero lo más importantes es que cuando me puse el vestido me sentí como Rapunzel”.
Magnussen, que iba vestido de cuero de pies a cabeza está de acuerdo y afirma: "Me puse los pantalones de cuero y sentí inmediatamente que encajaban con mi personaje. Me encantaban. El trabajo de Colleen es fantásticos. Añade todas esas capas que me dan pistas y me ayudan a dar vida a mi personaje”.
Peluquería y Maquillaje:
Con un proyecto de este tamaño y envergadura, la peluquería y el maquillaje eran muy importantes para la producción. Y para el diseñador de peluquería y maquillaje Peter Swords King, que ganó un Oscar® por su trabajo en "El Señor de los Anillos: El regreso del Rey”, esto significaba trabajar estrechamente con Colleen Atwood y su departamento de vestuario. Lo explica así: "Mi trabajo empieza cuando Colleen ha hecho todo el vestuario. Así veo qué estilo ha escogido. Es un trabajo de equipo, pero quiero asegurarme que no tenemos trajes del siglo XVIII con peinados del XIX”.
Para crear la trenza de seis metros, el equipo de producción trajo pelo rubio de verdad de Alemania. Después se tejió a mano con un algodón muy fuerte y se formó una trenza con el pelo de MacKenzie Mauzy. Los productores llegaron a sugerir que se utilizara pelo acrílico, pero Swords King estuvo en contra de esa idea porque sabía que brillaría demasiado ante la cámara.
Mauzy se pasó todo el rodaje, así como varias semanas de preproducción, llevando la trenza ya que quería asegurarse de que pareciera que la había llevado toda la vida. “Al principio era muy raro, pero cuando me la cortaron me di cuenta que me había acostumbrado a llevarla”, afirma la actriz. “No era una peluca, era como una extensión enorme que habían entretejido con mi pelo y parecía de verdad”.
En el caso de la Bruja, los dos looks de Meryl Streep los creó J. Roy Helland, el maquillador y peluquero de la actriz desde hace mucho tiempo, y que ganó un Premio de la Academia® al Mejor Maquillaje de Streep en “La Dama de hierro”. Según Streep: "Dependo totalmente de Roy. Es muy gracioso porque cada vez que nos embarcamos en un nuevo proyecto nos preocupa muchísimo pasarnos de la raya, pero lo cierto es que es muy divertido trabajar así”.
Al principio de la historia la Bruja lleva unas prótesis en la frente y la barbilla y también unos dientes postizos torcidos. Para la transformación que sufre la Bruja al final, Streep luce su belleza natural con un pelo con mechas turquesas y plateadas y blancos inmaculadamente blancos, casi como un hada azul.
Cuando llegó la hora de crear los diseños para el peinado y el maquillaje del Lobo, el personaje de Johnny Depp, la tarea recayó en las expertas manos del maquillador persona de Depp, Joel Harlow (“El llanero solitario”, “Alicia en el País de las Maravillas”). Harlow ganó un Oscar® por su imaginativo trabajo en “Star Trek” y anteriormente había transformado a Depp en el icónico Capitán Jack Sparro en las cuatro películas de "Piratas del Caribe” así como al Sombrerero Loco en "Alicia en el País de las Maravillas”, entre otros.
Joel es un genio”, dice Depp. “Es el mejor. Es como una versión moderna de los maquilladores clásicos de la vieja escuela, los de la época de Lon Chaney, cuando existía una gran colaboración entre todos”.

 
Los Efectos Visuales:
Una de las ventajas de llevar una historia como "Into the Woods" a la gran pantalla es poder crear un mundo en el que vivan los personajes. Cuando los realizadores necesitan superar los confines de los platós físicos, es cuando interviene el Matt Johnson, el supervisor de efectos visuales. “Mi papel es añadir efectos a la película sin que el público se dé cuenta”, dice Johnson, entre cuyos créditos está “La brújula dorada”, que recibió un Oscar® a los Mejores Efectos Visuales.
En “Into the Woods”, estos efectos incluían muchos elementos clásicos de los cuentos de hadas que son clave para la historia, como una vaina de judías generada por ordenador que se alza hasta el cielo, un gigante de 18 metros pisoteando el bosque, la transformación del traje harapiento de Cenicienta en un vestido nuevo y deslumbrante y el remolino.
 
El estilo de efectos generados por ordenador fue una mezcla de efectos físicos a la antigua usanza y tecnología punto en el campo de los efectos visuales. Johnson lo explica: "A Rob le gustan mucho las películas clásicas, así que aportamos algunos de sus elementos. Por ejemplo, muchos realizadores hubieran querido que el Gigante fuera una criatura generada por ordenador, pero Rob quiso que lo hiciera una actriz (Frances De La Tour) de forma que la interpretación fuera completamente humana”.
Esta hazaña se consiguió creando un bosque en miniatura con árboles en miniatura para que De La Tour se abriera paso entre ellos y los derribara. Esta técnica es similar a la que se utilizaba en las películas de los años 50. Pero en “Into the Woods”, el material se mezcla con efectos generados por ordenador para conseguir un look más moderno.
Al describir el proceso de los efectos, Johnson afirma: “El primer paso del trabajo consiste en planificar qué elementos físicos necesita la toma y qué técnicas se pueden utilizar; por ejemplo, si se van a utilizar efectos generados por ordenador, pantalla verde o miniaturas”.
Y ahora sabes cosas que no habías sabido nunca...
Giants In The Sky”
EN LAS SALAS DE CINE
Into the Woods” es una experiencia cinematográfica espléndida que reúne a personajes familiares y les lleva a recorrer caminos totalmente inesperados. Pero también encierra una gran profundidad. Según el productor Marc Platt: “La historia esconde una increíble metáfora sobre la vida y la pérdida, sobre padres e hijos, y si repetimos los pecados de nuestros padres o escogemos otro camino. Todo el mundo puede identificarse con esa metáfora, jóvenes y mayores. Si tomas todos esos elementos y construyes una narración de cuentos de hadas con música y comedia, el resultado es una experiencia cinematográfica maravillosa”.
Meryl Streep añade: "A nivel musical es una película asombrosa a la vez que tremendamente emocionante. Y espero que el público se asombre y se emocione de la misma manera”.
En los primeros 20 minutos de la película te da la impresión de haber salido disparado de un cañón”, dice el productor John DeLuca, “Y después emprendes un viaje maravilloso plagado de humor y de personajes chiflados, a los que coges muchísimo cariño”.
Los realizadores están de acuerdo en que todos los que trabajaron en esta película, desde los actores protagonistas hasta los extras, y todos los que participaron en llevar esta historia a la pantalla, se superaron a sí mismos día tras día para estar a la altura del material.

sábado, 24 de enero de 2015

Into the woods (II)


Las Brujas pueden tener razón, los Gigantes pueden ser buenos.
Tú decides qué es lo correcto, Tú decides lo qué está bien...
No One is Alone”
EL SIGNIFICADO DE LOS CUENTOS DE HADAS
Cuando Stephen Sondheim y James Lapine se reunieron por primera vez para hablar de “Into the Woods”, su intención era crear un musical provocativo basado en un mundo de fantasía en el que los personajes se embarcaban en una búsqueda. El dúo, que ya había colaborado en el musical ganador del Pulitzer “Sunday in the Park with George”, empezó con algunos cuentos de hadas tradicionales, combinándolos con una historia nueva sobre un Panadero y su Mujer. El resultado final es maravilloso, una historia entrañable con temas actuales que se narran a través de personajes clásicos como Cenicienta, Jack y las judías mágicas, Rapunzel y Caperucita Roja. Todos ellos exploran juntos lo que ocurre después de "fueron felices y comieron perdices”.

 
Los cuentos de hadas se remontan a los primeros tiempos de la narrativa y desde entonces se han transmitido de generación en generación. Aunque a primera vista sólo parecen una manera de entretener a los niños, también conforman una herramienta educativa y emocional muy importante ya que ofrecen una visión de la aventura de la humanidad. El psicólogo Bruno Bettelheim escribió sobre su repercusión psicológica en su libro titulado “The Uses of Enchantment: The Meaning and Importance of Fairy Tales”, donde reivindica el poder de los cuentos de hadas para ayudar a los niños a tener sus propios criterios.
Meryl Streep se hace eco de esta filosofía y afirma: "Al principio, los cuentos de hadas servían de advertencia. Se contaban a los niños para prevenirles de los peligros que encontrarían en la vida y para animar a las jóvenes a casarse con hombres ricos. Se animaba a todo el mundo a encontrar un príncipe y vivir felices para siempre. Pero a veces no salía bien”.
Situar los cuentos de hadas en un escenario realista, que era uno de los primeros objetivos de Sondheim y Lapine, fue uno de los aspectos que más atrajo a los actores. Anna Kendrick explica: "Es lógico que en muchos institutos sólo se represente el primer acto, porque el primer acto acaba bien. Pero es el segundo acto el que hace que la historia sea creíble, que tenga peso y fundamento”.
 
Johnny Depp está de acuerdo: "Me gustó la idea de reunir todos esos cuentos de hadas con los que crecimos y hacer un gran musical. Nos permite conocerlos mejor. Y lo cierto es que son más espeluznantes y divertidos de lo que habíamos imaginado, así que es una idea fantástica. Y están maravillosamente bien ensamblados”.
Sondheim añade: "James Lapine hizo algo con la historia de 'Cenicienta' que nadie había hecho en 500 años. Hace que pierda el zapato a propósito, lo que es muy ingenioso porque así es la forma de saber si el Príncipe la quiere de verdad”.
 
Creí que uno bastaba. Pero no es verdad: hacen falta dos... “It Takes Two”
LA LEGENDARIA COLABORACIÓN DE
STEPHEN SONDHEIM Y JAMES LAPINE
Into the Woods” se estrenó en Broadway el 5 de noviembre de 1987 en el Martin Beck Theatre. La producción, que puso en cartel 764 funciones, ganó los Premios Tony® a la Mejor Partitura (Stephen Sondheim), al Mejor Libreto de un Musical (James Lapine) y a la Mejor Actriz de un Musical (Joanna Gleason en el papel de la Mujer del Panadero). Entre otros premios, el musical recibió cinco Drama Desk, incluyendo al Mejor Musical y un Premio GRAMMY® a la Mejor Grabación del Reparto Original.
Desde entonces, “Into the Woods” se ha representado en todo el mundo, incluyendo una gira por Estados Unidos en 1988, una producción en el West End en 1990 y reposiciones en Broadway y Londres, además de una producción televisiva de PBS y un concierto en su décimo aniversario.
Crear una obra teatral tan compleja como "Into the Woods" fue una tarea tremendamente ardua. Sondheim lo explica así: "Te sientas a hablar sobre el espectáculo con quien lleva muchas semanas escribiendo el guión, y decides cómo se va a contar la historia. Lo más importante es que los dos tenéis que escribir el mismo espectáculo. Tus actitudes sobre la historia y sobre los personajes necesitan ser las mismas”.
A Lapine siempre le habían interesado los cuentos de hadas y la psicología de Jung, y la idea de convertir un cuento de hadas en un musical era tremendamente atractivo para Sondheim y para él mismo. “Decidí escribir un cuento de hadas original, pero como los cuentos de hadas son cortos por naturaleza, enseguida me di cuenta que ampliarlo para convertirlo en un espectáculo completo desvirtuaba el concepto”, explica Lapine. “Entonces se me ocurrió la idea de coger varios cuentos de hadas y reunirlos para formar un cuento original. Así fue como nació nuestra historia del Panadero y su Mujer”.
El marco de referencia de Lapine fueron las historias de los Hermanos Grimm y de Perrault. Como Sondheim estaba más familiarizada con ellas por las películas animadas, Lapine escribió la primera escena, que entrelaza tres de esas historias, y le dijo a Sondheim que sería prácticamente imposible ponerle música. “A nadie le gusta más un desafío imposible que a Stephen Sondheim, así que fue la mejor manera de convencerle”, dice Lapine. “No dudó en lanzarse de cabeza y escribió un maravilloso número de apertura. Había comenzado nuestra aventura”.
Para Sondheim, la historia trata el tema de la responsabilidad de la comunidad. Al principio de la historia los personajes sólo piensan en sí mismos y el resultado es un desastre. Pero a medida que la historia avanza todo el mundo comprende que debe unirse para formar una comunidad y corregir sus errores, y para Sondheim, ese mensaje es universal. Para Lapine, está el hecho de que lo bueno y lo bonito no siempre van juntos, y hay que tener cuidado con lo que se desea.
No pensamos con detenimiento en lo que queremos... Sabemos que queremos X, Y y Z, pero no pensamos en por qué lo queremos y cómo van a cambiar nuestras vidas si logramos conseguir esas cosas”, dice Lapine. “La historia habla sobre las consecuencias de nuestros actos, por muy pequeños que sean”.
A partir de ese momento, el tema de discusión fue si la historia debía ser un musical o no. Algunas historias no exigen necesariamente música, y para Sondheim, todas las canciones tienen que ser imprescindibles. Y en muchos musicales, las canciones permiten al público conocer a los personajes. Lapine lo explica: "Para Stephen es muy importante que su música y las letras se conjuguen con los diálogos y la historia que se cuente. Tiene una capacidad extraordinaria para meterse dentro de la cabeza de los personajes y hablar a través de sus voces; apropiarse de los diálogos y los monólogos y convertirlos en canciones”.
 
La combinación infalible de las canciones de Sondheim con la historia de Lapine es una de las razones del éxito del musical a través de los años. Así que cuando se empezó a hablar de llevar el musical al cine, para los realizadores era muy importante mantener esa colaboración. Por eso recurrieron a Lapine para adaptar su historia a la gran pantalla. El productor John DeLuca afirma: "La voz de Stephen Sondheim está tan inextricablemente unida a la palabra de James Lapine que sabíamos que le necesitábamos para crear la película. Y se incorporó al proyecto con la actitud más abierta que jamás he visto en un guionista”.
Marshall afirma: "Ha sido maravilloso trabajar con James porque hace años que admiro su trabajo y además era el autor de la obra teatral. Estaba convencido que era muy importante trabajar con los creadores originales de la obra para mantener su integridad y su esencia, aunque como es lógico había que convertirla en una película. Me impresionó lo abierto que se mostró James a la hora de intentar cosas nuevas y cómo comprendió de forma instintiva que lo que funciona en el teatro no funciona necesariamente en una película".

 
Por esta razón, fue especialmente difícil escribir el número de apertura de esta película porque exigía contar tres historias y presentar cada historia al público. Lo explica así: "Sería tremendamente aburrido empezar una escena con el Panadero y su Mujer y que se pusieran a cantar una canción. Después otra escena en la casa de Jack en la que cantan una canción. Y después una escena en la casa de Cenicienta en la que cantan una canción. A esas alturas ya te has olvidado de quién era el Panadero. Tienes que contarle al público que esa es la gente que va a ver toda la tarde, y que todos tienen la misma importancia. Cada uno tiene una historia totalmente independiente”. Y continúa diciendo: "La música puede rellenar vacíos rápidamente porque puedes hacer una transición desde un tema a otro en dos compases; de lo contrario se necesitarían cinco líneas de diálogo. 
 
Así que ‘Into the Woods’ es una compresión: cuando se termina el número ya conoces a todos los personajes principales. Además, quieres que el público sepa que va a ser divertido y que se lo pasará muy bien. Están al borde del trampolín y listos para saltar”.
 
No te puedes limitar a actuar, tienes que escuchar.
No te puedes limitar a actuar, tienes que pensar...
Finale/Children Will Listen”
LA DIRECCIÓN VISIONARIA DE ROB MARSHALL

 
Desde que “Into the Woods” debutó en los escenarios teatrales, todo el mundo esperaba que algún día se convirtiera en una película. Pero se necesitaba a un director experimentado como Rob Marshall para conjuntar todos esos elementos tan complejos y complicados en una película musical y saber trasladar la historia a la gran pantalla. Según James Corden: "Esto es una obra coral y cada historia de los personajes tiene un inicio, un desarrollo y un final. Hay que crear un entorno mágico, de fantasía que también es un maravilloso y enorme musical. Así que necesitas tener un talento especial para fundir esos mundos”.
La lista de créditos de Marshall como director incluye las películas “Chicago”, “Nine”, “Memorias de una Geisha” y “Piratas del Caribe: En mareas misteriosas”. Pero también es un excelente director teatral y un coreógrafo ganador del Emmy®. Esas credenciales lo convirtieron en el director más idóneo para llevar "Into the Woods" a la gran pantalla. Stephen Sondheim lo explica: "Rob Marshall tiene un background teatral, y eso es muy importante. También es coreógrafo lo que también es crucial ya que este tipo de música necesita un director que sepa cómo funcionan los números de un musical”.
 
Marshall, que siempre había admirado la producción teatral original, se enamoró inmediatamente del proyecto. “Siempre me ha gustado esta obra, desde que la puso en escena la compañía original en 1987”, dice. “Era una obra preciosa, magnífica, importante, y recuerdo que me subyugó. Era una combinación única de personajes que creaban un tapiz de historias clásicas dotadas de una naturaleza increíblemente profunda, explorando lo que ocurre después del 'y fueron felices y comieron perdices' de los cuentos de hadas”.
Añade: "Es genial desear, querer, esperar y soñar, pero esta obra se enfrenta a la realidad del mundo y a las luchas y penalidades que nos encontramos por el camino.

 
“’Into the Woods’ es una historia que necesita conmover... es un musical sobre una búsqueda. Los personajes van detrás de algo que desean con todas sus fuerzas. Así que hay que mantener la tensión, el suspense y la energía”, dice Lapine. “Y creo que lo entiende muy bien. Sabe cómo combinar tomas cortas, escenas cortas y momentos que llevan a otros momentos de forma la suma de todos ellos lleve a un final sorprendente”.
Cuando el productor Marc Platt leyó las primeras 20 páginas del guión de Lapine para “Into the Woods”, fue fácil visualizarlo cinematográficamente, y la forma en la que Rob Marshall lo filmó superó sus expectativas. Lo explica así: "El prólogo tiene una duración de unos 16 minutos. Sólo hay música pero aun así consigue que el público conozca a todos los personajes, sus conflictos que se verán en la película. Empieza con gente viviendo su vida cotidiana en el pueblo y termina con los protagonistas dirigiéndose ‘Into the Woods,’ para emprender su aventura. Rob has construido una aventura cinematográfica perfecta”.
Para Marshall, una de las mayores alegrías de trabajar en una película musical es la etapa de ensayos. En “Into the Woods” hubo seis semanas de ensayos antes de que empezara el rodaje, y la troupe se formó durante ese periodo de tiempo. Afirma: "Dado que esta película es una obra coral, era muy importante que todos trabajaran juntos para crear un conjunto coherente”.

 
Adéntrate en el bosque... ¿quién sabe lo que te espera a lo largo del viaje? “Prologue: Into the Woods”
RECREAR EL BOSQUE EN LA PANTALLA
Las localizaciones:
Cuando los realizadores empezaron a hablar sobre dónde iban a rodar la película, llegaron a la conclusión que la historia bien conservada de Inglaterra y su maravillosa energía constituían el lugar perfecto para crear un mundo en el que los personajes de cuentos de hadas cobran vida. Además la abundante vegetación del país, los paisajes pintorescos, los castillos y las mansiones ofrecían un sinfín de posibilidades. Y Rob Marshall tuvo la impresión de que había que rodar lo más posible en las localizaciones.
En la historia, el Bosque es casi un personaje. Según Marshall, es la metáfora de muchas cosas de la vida: Es el lugar a donde vas a encontrar tus sueños, donde se cumplen tus deseos, donde te enfrentas a tus miedos, te pierdes, te encuentras a ti mismo, creces, aprendes y avanzas. “Es el ciclo de la vida en el sentido de que al crecer comprendemos que la vida no es como pensábamos, pero es algo que todo el mundo debe experimentar en carne propia... no hay atajo posible”, dice el director. “Así que nos adentramos en el Bosque para encontrar todas esas cosas con la esperanza de que al salir seamos mejores personas”.
El rodaje comenzó en las profundidades de un antiguo bosque de Ashridge Estate a la afueras de Berkhamsted, en septiembre de 2013. El bosque, que es una de las zonas de vida salvaje más antiguas e históricas de la región, se utilizó como escenario de la canción “Giants in the Sky”, que interpreta Jack (Daniel Huttlestone), después de que su mísero puñado de judías produjera una vaina de judías mágicas.
El pueblo de Hambleden, cerca de Henley on Thames, sirvió para reproducir el pueblo del Panadero situado en la linde del Bosque.

 









Un granero de principios del siglo XX situado cerca del pueblo se convirtió en la destartalada casa de campo de Jack, su Madre (Tracey Ullman) y Milky-White. A Ullman le sorprendió la extraordinaria atención a los detalles que encontró en el plató de la localización y afirma: "El atrezzo era increíble. Había una silla preciosa en un rincón con el trabajo de punto de mi personaje al lado, notas diminutas dirigidas a mi atención en el escritorio, e incluso un espejo roto pequeño (como símbolo de la mala suerte), lo que dotó a nuestros personajes un mundo real en el que vivir”.
Tal y como indica el título de la película, gran parte de la historia se desarrolla en el Bosque. Por esa razón el departamento de localizaciones pasó muchísimas horas recorriendo el campo inglés en busca de un gran abanico de exteriores en bosques. Afortunadamente, encontraron Windsor Great Park, en la frontera de Berkshire y Surrey, y pudieron aprovechar los cientos de acres de bosque que tiene el parque. De hecho, alberga unos robles impresionantes (cuyo aspecto es muy similar al árbol que se utiliza en el cartel del musical original de Broadway). Algunos tienen más de 800 años.
La zona llamada Bear Rails del parque se convirtió en el bosque que rodea la casa de la Abuelita, donde Caperucita Roja (Lilla Crawford) canta “I Know Things Now”. Para las tomas exteriores de la casa de la Abuelita, y sobre todo la entrada, el departamento de arte creó una extensión con algunos de los troncos más gruesos de la zona y colocó una pequeña puerta. La Cascada que hay en el parque sirvió de escenario para la canción “Agony”, interpretada por el Príncipe de Cenicienta (Chris Pine) y el Príncipe de Rapunzel (Billy Magnussen), como respuesta a sus fracasos amorosos.
Para las escenas que se desarrollan fuera de la torre sin puerta donde está encerrada Rapunzel (MacKenzie Mauzy), el equipo de producción construyó una estructura dentro de las ruinas de la Abadía de Waverley que data del siglo XVIII y que está en Farnham, Surrey. “Los platós eran como un cuento de hadas, pero al mismo tiempo eran muy reales y misteriosos”, dice Mauzy. “Nuestros diseñadores de plató hicieron un trabajo fantástico. Resulta difícil ver la diferencia entre la torre de mi personaje y las ruinas de la Abadía. Te integrabas instantáneamente en ese mundo porque parecía tan real”.
Byfleet Manor, situado en Byfleet, Surrey, hizo las veces del exterior de la casa de Cenicienta (Anna Kendrick). Es el lugar donde el Príncipe y su Guardia Real descubren que su pie encaja en la zapatilla dorada. Las escenas del Palacio del Rey, donde se celebra la boda de Cenicienta con el Príncipe, se rodaron en el Castillo de Dover, uno de los monumentos emblemáticos de Inglaterra. El majestuoso castillo alberga el Estrecho de Dover o de Calais, el punto más estrecho del Canal de la Mancha.
 
Añade: "Cada personaje se interna en el Bosque a través de un arco de entrada natural que Rob llamaba la madriguera del conejo. Una vez que lo atravesado todo es diferente. Es mágico, aterrador, divertido, original, orgánico... y tiene vida propia”. Según Stephen Sondheim: “Esa es la sensación que los realizadores querían reflejar en la película: la oscuridad del Bosque, y la sensación de aislamiento y oscuridad de un lugar en el que puede pasar de todo”.
Además de la sensación envolvente de oscuridad que crea el Bosque, Gassner supo dotarlo de magia. Emily Blunt lo explica: "Dennis hizo un trabajo extraordinario en los platós utilizando matorrales y flores de verdad. Los añadió para que iluminaran los árboles y les dieran un aspecto encantado”. “Into the Woods” ha sido la primera colaboración del diseñador de producción con Rob Marshall, y encontró que tenía una gran afinidad artística con el director. Gassner afirma: "A ambos nos obsesiona crear algo que sea original, único. Rob es como yo. No cejamos hasta encontrarlo”.


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