SAN SEBASTIAN 2025:Nouvelle Vague, el amor al cine de Linklater

🎞 Nouvelle Vague (2025): cine, memoria y espíritu revolucionario

Una película que, aunque a primera vista puede leerse como un homenaje  histórico al “cine dentro del cine”, encierra tensiones más sutiles: sobre la creación, la filiación cinematográfica, la ilusión de la revolución y el peso del pasado.

Desde el primer fotograma en blanco y negro hasta las últimas miradas intercambiadas entre personajes que parecen saberlo todo y sin embargo están aprendiendo, Nouvelle Vague se presenta no solo como una reconstrucción del rodaje de Breathless (À Bout de Souffle) de Jean-Luc Godard, sino como un ejercicio de afecto cinematográfico: una película que respira cine, que conversa con el pasado y al mismo tiempo lo interpela.

Linklater, uno de los cineastas más reflexivos sobre el tiempo (Ya lo demostro con BOYHOOD), el proceso creativo y la identidad del cine como forma de vida, decide mirar hacia atrás no con distancia académica, sino con la calidez de quien quiere que ese momento —París, fines de los años 50–60, la efervescencia de Cahiers du Cinéma— vuelva a latir ante nuestros ojos. La película se centra en el momento fundacional de un cine que desechó jerarquías, narrativas rígidas y convenciones de estudio, apostando por la espontaneidad, la extrañeza, la vida cotidiana y, sobre todo, la transgresión de formas.

🗼 Paris 1959: lugar, espíritu y mucho cine

Desde los breves créditos iniciales, Nouvelle Vague nos sitúa en un París que no es solo geografía, sino atmósfera. Cafés llenos de humo, calles húmedas, calles que huelen a debate, a peligro, a posibilidad. No vemos el cine como objeto místico sino como actividad social, algo que ocurre entre mesas de café, risas altas, discusiones intensas sobre filosofía, sobre amor, sobre jazz y —por supuesto— sobre cine mismo.

Ese París no es solo fondo: es interlocutor. Es lugar de debate permanente, donde la cámara de David Chambille (como extensión del ojo de Linklater) capta no la nostalgia, sino la immediacy —esa urgencia que Godard imprimió a Breathless, con su improvisación, sus diálogos espontáneos, su manera de filmar “en la calle” sin guion terminado.

Puro existencialismo fránces. Nos guste o no.

🎬 Godard y su equipo: personajes que miran al porvenir

La película no dramatiza la figura de Godard como genio solitario: lo humaniza. Guillaume Marbeck encarna a Godard con una mezcla de ambición, nervio creativo e inseguridad velada. Sabemos, gracias a las reconstrucciones históricas, que el Godard de Breathless no tenía las cosas claras hasta que surgían —pero en Nouvelle Vague esa inseguridad se vuelve dispositivo narrativo central.

No estamos ante un biopic convencional. Linklater decide no explicar cada detalle biográfico. En lugar de eso, su Godard se desliza entre certezas poéticas (“solo necesitas una chica y una pistola para hacer una película”) y contradicciones prácticas. Esa contradicción, más que un fallo de guion, es la película misma: ¿qué significa crear algo revolucionario cuando ni siquiera tú sabes exactamente cómo hacerlo?

Frente a él, la figura de Jean Seberg (interpretada por Zoey Deutch, que nos ha conquistado) es especialmente reveladora: extranjera, enérgica, a veces frustrada con la falta de guion, a veces encantada por la visión, encarna el punto de contacto entre el cine como arte y el cine como vida experimentada. Ella encarna también la tensión clásica de cine dentro del cine: ¿estoy interpretando un personaje, o estoy viviendo bajo la mirada de un cineasta que está redefiniendo lo que significa existir ante una cámara?

📽 Nouvelle Vague como cine dentro del cine —y ¿la vida?

Esta película es, en el sentido más literal y metafórico, cine sobre cine. Pero no del tipo que explica procedimientos técnicos. No hay tutoriales sobre cámaras o guion; en cambio, Linklater construye una narración que respira las contradicciones mismas de la Nouvelle Vague:

• Libertad vs. presupuesto mínimo.

• Improvisación vs. necesidad de convencer a productores.

• Revolución estética vs. necesidad de ser entendidos por audiencias.

Es decir: el aura romántica del movimiento se enfrenta a la realidad mundana de hacer cine. Y ahí está el juego más interesante de todos.

La película no intenta imitar radicalmente el estilo de Godard, con su jump cut extremo o su ruptura formal permanente; en cambio, usa un lenguaje cinematográfico propio que respeta la estética (blanco y negro, relación de aspecto 4:3, marcas discretas de celuloide) sin sacrificar la narración.

Ese gesto formal —no clonar, sino tributar, no imitar, sino dialogar— ya es una declaración ideológica: Nouvelle Vague entiende que la revolución del cine no fue solo técnica, sino también ética y comunitaria. No solo fue cómo se hizo, sino por qué se hizo.

👥 Comunidad artística como motor narrativo (lo que nos interesa)

Mientras la película progresa, no solo vemos a Godard, Seberg y Belmondo. Desfilan otros nombres que marcaron la época: François Truffaut, Éric Rohmer, Agnès Varda, Claude Chabrol, Jacques Rivette… y lo hacen no como cameos de catálogo sino como voces que instalan la idea de cine como diálogo colectivo, no monólogo egocéntrico.

Esto es crucial: la Nouvelle Vague no fue Godard solo. Fue un grupo, una conversación, una insistencia en que el cine podía ser filosofía, política, poesía y vida en movimiento. Y Nouvelle Vague captura eso a través de escenas aparentemente leves —charlas interminables, cafés, miradas sostenidas— que en realidad no son meras anécdotas, sino investigaciones sobre lo que significa filmar y vivir al mismo tiempo.

🌀 Linklater y la reverberación del pasado (una de sus obsesiones)

La película se convierte en una reflexión sobre la memoria cinematográfica. Llámalo auto-homenaje, llámalo introspección: Linklater, un cineasta cuya trayectoria ha sido definida por el tiempo (desde Before Sunrise hasta Boyhood), mira hacia los orígenes no con nostalgia, sino con respeto crítico. Y ahí aparece una tensión fascinante: Nouvelle Vague no intenta ser tan radical como Breathless lo fue en 1960 —nadie puede replicar lo irrepetible—, pero en su recreación y celebración nos recuerda que el cine es una conversación continua entre generaciones.

Hay una especie de espejo (y espejo dentro del espejo) en la que el Godard del filme habla sobre hacer cine espontáneo, y Linklater, desde 2025, responde con la suya propia: una obra que, aunque cuidada y formalmente construida, respira la improvisación del espíritu de entonces. Y en ese movimiento está no solo el pasado, sino también una pregunta:
¿qué significa hoy ser cineasta en un mundo globalizado donde lo experimental tiene que dialogar con plataformas, mercados y nostalgia colectiva?

Al terminar, Nouvelle Vague no es simplemente un relato sobre Jean-Luc Godard haciendo Breathless. Se vuelve:

• Una reflexión sobre la creación artística como comunidad, riesgo y caos.

• Una meditación sobre la memoria estética y su impacto en generaciones posteriores.

• Una exploración del cine como acto vital, no solo técnicamente revolucionario.

Lo que hace Linklater, en el fondo, no es revivir 1959. Es preguntarnos qué significa ser artista en 2025 mirando hacia 1960, y cómo las revoluciones artísticas no solo cambian lo que hacemos, sino la forma en que sentimos, pensamos y nos relacionamos con el mundo.

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