[ENTREVISTA] Juan José Campanella, por "El cuento de las comadrejas"

Juan José Campanella regresa a los cines con “El cuento de las comadrejas”. El director y guionista argentino ( además de español pues tiene reconocida la nacionalidad como homenaje a sus méritos artísticos) vuelve a las pantallas de medio mundo tras “Futbolin/Metegol” con otro tema que le apasiona: El cine.

En “El cuento de las comadrejas” Campanella elige hacer un homenaje al séptimo arte, o tal vez a un tipo de cine que el ama: El cine clásico.

“El cuento de las comadrejas” inspirada en “Los muchachos de antes no usaban arsénicos” de José Martínez Suárez (que curiosamente es el hermano de Mirtha Legrand) que con su estreno en 1976 causaba conmoción convirtiéndola en un clásico inmediato (recordemos el golpe de estado de ese año, y la dictadura militar que lo prosiguió, con los miles de desaparecidos entonces, algo que la película en un golpe de suerte, intuición o pura casualidad utiliza).

Campanella afirma: “Fue pura casualidad, pues el film ya se estaba rodando y se estreno antes del golpe de estado, a veces el cine tiene esta magia, y películas con temática parecida aparecen en el tiempo o concurren con hechos reales. Aunque realmente la película de Martínez Suarez es un juego más cercano a Agatha Christie que a cuestiones políticas. Es cierto que en las comadrejas los personajes que se dedican al mundo del cine deciden contar lo que paso y por eso son vetados, y en lugar de huir prefieren quedarse en su patria, pero más allá del juego de las desapariciones no hay relación. No hay un componente político.”

Campanella es conocido como dramaturgo, director y guionista tanto en cine, como para televisión, donde es uno de los directores de series más reputados, recordemos que su capitulo para la serie “House” llamado “One Day, One room” es el más visto de toda la serie, con el share más alto. “Nunca sabes que capitulo te va a tocar dirigir, nunca sabes si va a ser el más visto o el tema que va a tocar”, Nos contaba el director en la entrevista.

Entre los trabajos más destacados del argentino se encuentra por supuesto la película “El secreto de sus ojos” con la que gano el Oscar a la mejor película de habla no inglesa en 2010, que ha tenido un remake en 2015 llamada “The Secret of their eyes”. 

El argentino ha destacado por hacer un cine de personas centrado en aquellos temas que le interesan, como las relaciones, el cine o incluso el futbol donde  destaca la película “Los futbolisimos”. “El mismo amor, la misma lluvia” es además una película a la que tengo especial cariño, pues cuando yo trabajaba como dependienta de videoclub, allá por el año 1999-2000 estaba en nuestro videoclub como destacada y siempre la mirada, con curiosidad y cariño. Llegarían después en la carrera del director la aclamada “El hijo de la novia” o “Luna de Avellaneda”. Hablamos con el director sobre su solida carrera aunque no tan prolífica como puede parecer. Solo un par de películas que han calado en el publico más que si fueran una veintena.

Esta forma de trabajar desde las relaciones le ha llevado a crear un grupo de actores con los que se identifica y con los que se siente cómodo trabajando creando así una gran familia reconocible para el espectador formada por actores como: Ricardo Darín, Eduardo Blanco, Héctor Alterio, Soledad Villamil o Guillermo Francesa.

Unos amigos trabajando juntos, es lo que piensa Campanella el film. " mientras estaba en los Angeles realice un primer boceto de la película, quería que tuviera ese humor, unos diálogos inteligentes, y el aire de las comedias de Lubistch y Wilder. Me parecía una buena idea. Además quería hacer un homenaje al cine, así que acabe convirtiendo a todos los personajes en personas de la industria.Y la relación entre Mara (Graciela Borges) y Pedro (Luis Brandoni) me permitía explorar algunos temas que siempre están en mis películas como el amor a través de los años.

Aquí tenemos un humor muy burdo, muy popular, para despertar la carcajada, pero no sabíamos si funcionaria, siempre se tiene ese miedo.

Campanella sigue trabajando en Estados unidos, y es un habitual en las series más famosas de televisión: Siempre va bien cambiar de aires, me sirve mucho filmar cosas para otros, ademas te dan mucha libertad creativa. Me divierte hacer series, así puedo hacer las películas que me gustan.

En medio de la entrevista llegan unos fans de Campanella, para preguntarle por la serie "Vientos del agua", de la que esta realmente orgulloso.

En el cuento de las comadrejas hay mucho de nostalgia: Puede ser, muchas de mis películas empiezan con alguien encerrado en un lugar, con la nostalgia de los sentimientos, de otros tiempos. Las películas son lugares cómodos para el lamento.

Sobre el reparto el director nos dice: Me encanta trabajar con ellos, con Marcos Mundstock que es un personaje de teatro, es uno de Les Luthiers. 

La casa es un personaje: Para nosotros al final el único problema real fue el frío. estábamos rodando en invierno y se supone que la película transcurre en primavera. LA casa era fría. Por fuera era una mansión preciosa con su terreno, pero la parte de dentro con sus escaleras era otra casa a unos 70 km, la magia del cine.

Para su séptima película Campanella nos ha dejado lo que es sin duda un clásico de los de antes, y es de agradecer.

"El cuento de las comadrejas" se estrena el 12 de julio en España.

[CRÍTICA] El Cuento de las comadrejas de Juan José Campanella

Homenaje al cine en “El cuento de las comadrejas”, lo nuevo de Campanella en pantalla grande.

Nos encontramos con Juan José Campanella, el director argentino más prolífico en el mundo de la televisión. Ya han pasado casi 10 años desde su Oscar por “El hijo de la novia”, y fue en 2013 cuando estrenaba en las pantallas de medio mundo “Futbolín/Metegol”. Ahora con “El cuento de las comadrejas” nos trae una fábula sobre el amor al cine, y quienes somos, que va mucho más allá de una lucha generacional.

De la mano de Syldavia Cinema, llega a la gran pantalla el 12 de julio.

Protagonizada por Graciela Borges, Óscar Martínez, Luis Brandoni, Marcos Mundstock, Nicolás Francella y la española Clara Lago, la cinta constituye un homenaje al cine clásico a través de un guión en el que el propio Campanella y Darren Kloomok versionan la película ‘Los muchachos de antes no usaban arsénico’, de José Martínez Suárez y Augusto Giustuzzi. Pero hay mucho más, mucha mala baba.

Graciela Borges es una diva del cine argentino venida a menos que tuvo sus años dorados en el cine clásico, la gran señora vive en una mansión (que es un personaje en si misma) encerrada como lo estaba Norma Desmond reviviendo en su memoria sus mejores momentos. 

Junto a ella, en esa enorme casa que los absorbe como uno más, vive su esposo (un sufrido Luis Brandoni) que también era actor, a la sombra de esa diva que fue su mujer, algo que les ha unido y separado en la distancia y el tiempo. Junto a ellos, conviven en una extraña comuna de viejas glorias del celuloide el director de la mayoría de las películas de la diva, interpretado por Oscar Martinez, y el guionista de dichos films (Marcos Mundstock) llenando los días de partidas de billar, almuerzos cínicos.

Las comadrejas no son más que bichitos para otros, así que cualquiera puede ser una comadreja. Es así como nos adentramos en  esta historia donde los personajes no son ni buenos ni malos, sino que sus actos vienen regidos por las situaciones que están viviendo.

Estos animales conviven como pueden, ayudando y parasitandose a la vez, sustentados en el sarcasmo y el recuerdo de otra época.

La modernidad llama a su puerta detrás de unos aparentemente inocentes jóvenes que ajenos al mundo del cine, sueñan con la especulación inmobiliaria.

Dentro de este marco absolutamente meta que sigue las historias de misterio, se va componiendo una comedia negra con bastante mala uva, a pesar de lo subrayado de los diálogos y situaciones.

No hay duda que los actores protagonistas están en su salsa, pues no hay nada mas efectivo y divertido en una producción que saber las reglas del juego para romperlas.

Campanella de manera estimulante rompe la cuarta pared sin descanso, es por eso que Graciela Borgesen es la protagonista de este cuento de comadrejas, una estrella de la época dorada del cine argentino, cuando la llegada de estos jóvenes pone patas arriba la dinámica de convivencia de estos ancianos que ya se han hecho los unos a los otros.  Una interrupción en sus vidas y en la tranquila convivencia de este grupo, que acostumbrados a una curiosa dinámica vital no ven con buenos ojos esta intromisión. ¿Es solo eso o es que esconden algo más? Esta nueva trama, mantiene la esencia de la original dándole además una nueva vuelta de tuerca.

No hay duda que el mayor acierto es el casting presidido por la actriz Graciela Borgesen que se encuentra en un papel escrito absolutamente para ella. Encontramos que se  mueve como diva dentro del celuloide añorando esos años dorados tanto de juventud como de premios que no volverán, ¿o si? eso es lo que le hace dudar. 

Las circunstancias políticas y sociales le hicieron tener un parón en su carrera cuando estaba en lo más álgido, además guarda terribles secretos que no sabemos si está dispuesta a mostrar pues duelen demasiado. 

El guión está configurado como una maquina de relojera o una bomba que esta a punto de estallar en cualquier momento, con personajes curtidos en mil batallas como son Luis Brandoni, Oscar Martínez y Marcos Mundstock que conforman un perdido trío calavera dispuesto a hacer lo que sea por mantener ese status quo que tanto les ha costado crear.

Nicolás Francella y la española Clara Lago (con sorprendente dominio del acento argentino, que ya demostró en "El túnel") dan el contrapunto, pues aportan juventud frescura y aún más malicia que los veteranos, si les dejan.

Esta apuesta teatral que hace las delicias de los cinefilos dota de intimismo a un film que muerde la mano que lo alimenta siendo el objeto de su sátira el mundo del cine, la propia industria y todo el mundillo de estrellas .

El gran caserío en el que la diva se encuentra recluida, unas escaleras,  y un misterio, todo ello nos transporta irremediablemente a Sunset Boulevard y a ¿Qué pasó con Baby Jane?.

Con unos planos que harán las delicias de los directores de fotografía cuando pasado y presente se funden en el momento en el que la actriz se confunde con el personaje que interpretaba en la pantalla, en un momento en el que ya no queda nada de esa época, y finalmente lo efímero que es el éxito. Tan efímero como esos celuloides que se queman con la propia bombilla que los hace brillar.

Vamos a asistir no solo a lo que seria el ocaso de una estrella, sino al ocaso de una industria que no se ha podido sostener, a los miembros que la conforman, y como a pesar de eso han preferido mantenerse unidos, porque el cine también hace eso,junta a las personas.

Por otro lado y dejando reposar la puesta en escena barroca, "El cuento de las comadrejas",nos transmite también una critica mordaz a lo que nuestra sociedad está haciendo con los mayores. En este caso, este grupo que ha decidido pasar sus últimos días juntos, en compañía, más mal que bien parecen estar abocados a ir a un asilo, donde piensan  (los jóvenes) que podrían estar mejor.

Destacamos que "El cuento de las comadrejas" es finalmente un cuadro solido que nos permite disfrutar de unas interpretaciones formidables, una puesta en escena cuidada y atractiva y un humor corrosivo y mordaz sin dejar de ser bastante amable. Destila puro amor por el cine y sabe divertirse gracias a él.

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Súper empollonas: El debut de Olivia Wilde en la dirección.

La actriz Olivia Wilde debuta en la dirección con una comedia fresca e inteligente, protagonizada por Beanie Feldstein y Kaitlyn Dever: Súper empollonas.Súper empollonas -Estreno en cines el 26 de julio

                                                   

La actriz Olivia Wilde da el salto a la dirección con un proyecto muy personal: una divertida película que rompe los estereotipos de las comedias juveniles, con una perspectiva moderna y feminista. Para ello se rodea de jóvenes talentos, como Beanie Feldstein (Lo que hacemos en las sombras [TV], Lady Bird, Malditos vecinos 2) y Kaitlyn Dever (Beautiful Boy. Siempre serás mi hijo, El candidato, Detroit), fantástico dúo protagonista, a las que arropan actores con muchas tablas en la comedia como Jason Sudeikis (Kodachrome, Una vida a lo grande, De-mentes criminales), Lisa Kudrow (Casi imposible, Web Therapy [TV], Friends [TV]) y Will Forte (Chicos Buenos, El último hombre en la tierra [TV], Nebraska).

SÚPER EMPOLLONAS es una oda a la amistad, la juventud y ¡¡las fiestas!! Se estrenará en cines de toda España el 26 de julio.

 (Kaitlyn Dever) y Molly (Beanie Feldstein) son dos estudiantes sobresalientes y grandes amigas que pensaban que pasarse el día hincando los codos les daría una ventaja sobre aquellos compañeros de promoción más interesados en divertirse. Pero, en vísperas de su graduación, estas amigas inseparables y ultracompetitivas se ven obligadas a afrontar la dura realidad de que puede que hayan desperdiciado parte de su adolescencia. Resueltas a recuperar algo del tiempo perdido, deciden intentar condensar cuatro años de experiencias inolvidables en una sola noche, una caótica aventura para la que, por muchos libros que se hayan empollado, nada las ha podido preparar.

Annapurna Pictures presenta, en asociación con Gloria Sanchez Productions, SÚPER EMPOLLONAS. El reparto de la película está encabezado por Kaitlyn Dever y Beanie Feldstein, acompañadas por las jóvenes promesas Molly Gordon, Billie Lourd, Skyler Gisondo, Noah Galvin, Diana Silvers, Mason Gooding, Victoria Ruesga, Austin Crute, Eduardo Franco y Nico Hiraga, así como las veteranas estrellas Jason Sudeikis, Jessica Williams, Lisa Kudrow y Will Forte. Debuta en la dirección Olivia Wilde. Katie Silberman escribió el guion junto a las anteriores guionistas Emily Halpern, Sarah Haskins y Susanna Fogel. El filme está producido por Megan Ellison, Jessica Elbaum, Katie Silberman, Chelsea Barnard y David Distenfeld. Will Ferrell y Adam McKay son sus productores ejecutivos. El equipo creativo incluye al director de fotografía Jason McCormick, la diseñadora de producción Katie Byron, los montadores Brent White y Jamie Gross, el compositor Dan the Automator, la diseñadora de vestuario April Napier, la artista de maquillaje Liz Lash y la coreógrafa Denna Thomsen.

SÚPER EMPOLLONAS está calificada para mayores de 18 años. El estreno de la película en nuestro país está previsto para el 26 de julio de 2019.

ACERCA DE LA PELÍCULA

SÚPER EMPOLLONAS es una comedia original, descarada y sin pelos en la lengua, es una historia iniciática sobre dos amigas del alma del instituto. “Desde el principio, mi punto de vista de la historia es que en el instituto uno parece jugarse mucho”, comenta la directora Olivia Wilde. “Cuando te encuentras en él, el instituto parece algo de vida o muerte. Quería abordar esta película del mismo modo que un director abordaría una película de acción explosiva”, prosigue Wilde. “Quería que pareciera una película de una pareja de policías, sobre unos compañeros que se protegen mutuamente, pase lo que pase. Pueden ser personas muy distintas que se apoyan mutuamente, se completan mutuamente, pero en un entorno en el que hay mucho en juego. Nos inspiramos en Superdetective en Hollywood, Training Day (Día de entrenamiento) y Arma letal. Básicamente, SÚPER EMPOLLONAS es una película sobre una relación, ambientada en un instituto, que refleja lo mucho que nos jugamos realmente en esa época de nuestras vidas”.

En el fondo, SÚPER EMPOLLONAS es una historia sobre la amplitud y el alcance de la amistad femenina. “Me alegró mucho saber que este proyecto estuviera en marcha, incluso antes de pensar que tenía la más mínima posibilidad de formar parte del mismo”, admite Wilde. “Agradecí que alguien estuviera haciendo una historia sobre la amistad femenina que no fuera simplemente sobre intentar conseguir a un chico o intentar integrarse”.

“La película no trata sobre dos empollonas que simplemente quieren vestirse como si fueran chicas populares y ligarse de algún modo al chico popular”, continúa Wilde. “Es una historia sobre la amistad entre dos chicas que, para la mayoría de las mujeres de esa edad, supone su primera relación íntima antes de hacerse adultas. Es un vínculo intenso, y es algo sobre lo que la mayoría de nosotras puede reflexionar y pensar: ‘¿Cómo ha influido esa amistad en mi identidad y en mis relaciones futuras?’”.

“Pero, al mismo tiempo, también es una película de ruptura, porque estas chicas se tienen que despedir”, agrega Wilde. “Se tienen que dejar mutuamente en libertad. Se han convertido casi en una sola persona, pero ha llegado el momento de separarse y seguir cada una su propio camino. Eso no es fácil de hacer. En esta película, contamos la historia de estas chicas en un momento fundamental de sus vidas, que resulta ser una aventura divertida y emocionante”.

“Yo me parecía mucho a Molly y a Amy en el instituto (admito que me parecía mucho más a Molly)”, recuerda el productor David Distenfeld. "Me identifiqué con sus preocupaciones, su intensidad y su amistad. No es nada común encontrar a adolescentes retratados de forma tan sincera, inteligente, graciosa y madura”.

Al igual que Distenfeld, la historia conectó con la productora Jessica Elbaum y sus propios años de adolescencia descubriéndose a sí misma. “Para mí, se trataba de una historia superespecial, porque mi experiencia en el instituto fue muy similar”, admite Elbaum. “Son unos personajes y un mundo que conozco muy bien, así que tengo debilidad por las historias iniciáticas”.

De manera similar a cómo Molly y Amy afrontan si pueden zafarse de sus etiquetas del instituto, los productores se sentían entusiasmados por hacer una película que hiciera frente a esas mismas etiquetas de película de instituto. “Me pareció que esta película ofrecía una visión sincera y veraz de cómo es el instituto en la actualidad y todo aquello por lo que pasan estos chicos”, opina Elbaum. “Intentar encajar cuando te etiquetan como diferente. Quería explorar todo eso en este filme”.

Wilde abordó su debut en la dirección con una creatividad y un entusiasmo contagiosos que sirvieron para convencer fácilmente a los productores de que era la elección perfecta para dirigir el proyecto. “Olivia y yo somos amigas desde hace años”, apunta Elbaum. “Estaba buscando alguien para dirigir SÚPER EMPOLLONAS y sabía que ella ya había dirigido vídeos musicales. Entonces, tuve uno de esos momentos, en el que pensé que sería la persona perfecta para dirigir esta película. Olivia leyó el guion e inmediatamente dijo: ‘Contad conmigo’. Presentó su concepto de la película al equipo de Annapurna y les encantó”.

En Wilde, los productores encontraron una directora con una intuición asombrosa para los personajes y una perspectiva sumamente excepcional sobre la forma de contar la historia. “Olivia entendía muy bien a esas chicas y su amistad, y comprendió desde el primer momento lo que haría falta para que una historia así resultara cinematográfica”, asegura Distenfeld. “Más allá de ser excepcionalmente inteligente y graciosa, tiene un oído muy agudo para lo que resulta real, siempre busca momentos emotivos y de humor, sin traicionar a los personajes. Sabe lo que es ser un intérprete joven y cómo obtener una gran interpretación de alguien de esa edad”.

SÚPER EMPOLLONAS. Foto: Francois Duhamel

La evolución de la historia fue un proceso natural que precisó de una guionista hábil, que no solo entendiera la visión de la directora, sino que también pudiera captar y transmitir la experiencia del instituto de una manera divertida y significativa. “Uno de los elementos más importantes de la ecuación de la película es la guionista Katie Silberman”, opina Wilde. “Katie se embarcó en el proyecto para reescribir el guion y colaboró estrechamente conmigo para contar la historia de una manera que incorporara todo lo que iba sucediendo a medida que trabajábamos en ella. Con cada nuevo elemento que íbamos introduciendo, ya fuera de las localizaciones, de los sets, o de los actores, reescribía el guion para reflejar esos cambios y hacía la historia mucho mejor de lo que jamás imaginé que fuera posible”.

Al colaborar con Wilde para crear este caótico y complejo mundo de adolescentes, Silberman se encontró con un verdadero espíritu afín. “Nunca me lo había pasado tan bien como trabajando en este guion con Olivia”, afirma Silberman. “Aportó muchas ideas y es maravilloso colaborar con ella”, continúa la guionista. “Se muestra receptiva a las aportaciones de todos. Me siento afortunada de haber podido contribuir a su visión. Creó un ambiente increíble en el que todo el mundo se sentía como si fueran grandes amigos mientras hacían una película sobre dos grandes amigas”.

Para Silberman, formar parte de SÚPER EMPOLLONAS fue un sueño de instituto hecho realidad. “Yo era la chica que no iba a fiestas en el instituto, así que esto me ha permitido hacer realidad muchas fantasías sobre lo que podría haber hecho en la última noche de instituto si no me hubiera quedado en casa”, admite Silberman. “Ojalá hubiera podido ver esta película cuando estaba en el instituto”.

Cuando llegó la hora de elegir a los alumnos del último curso del Instituto Crockett, el equipo responsable del proyecto quería evitar los estereotipos. “Allison Jones, nuestra directora de casting, está considerada desde hace tiempo como una de las mejores de la industria”, afirma Wilde. “Desde ‘Instituto McKinley’ a Supersalidos o Lady Bird, tiene ojo para los jóvenes talentos que exudan cierta esencia que resulta auténtica, sincera y excepcional”.

“Muchas veces, estas películas no son más que una serie de estereotipos, como la chica empollona, el chico guapo y todo eso”, prosigue Wilde. “Buscaba gente que la abordara desde una perspectiva diferente. Y Allison fue capaz de reunir a una serie de jóvenes talentos que tenían esa cualidad especial, ninguno de los cuales eran famosos. Me encantó poder dar a estos actores la oportunidad de demostrarme qué los hacía diferentes, en vez de intentar encasillarlos. Nuestro reparto está compuesto por jóvenes que vieron sus respectivos personajes desde una perspectiva diferente. Eso es lo que yo quería, y les estoy muy agradecida”.

Desde el principio, todos sabían que no podían hacer la película sin contar con una pareja de mejores amigas que resultara creíble. La historia depende por completo de la química entre Molly y Amy, y Wilde encontró a la pareja perfecta en Beanie Feldstein y Kaitlyn Dever.

Amy, el personaje de Kaitlyn Dever, es la activista social con un corazón de oro que está colada por una chica a la que da clases particulares. “Amy es muy dulce e inocente, y es de las que cumple las normas a rajatabla”, explica Dever. “Defiende muchas causas y tras la graduación tiene previsto ir a África a ayudar a otras mujeres. Cuando se trata de defender a los demás, Amy es como un pitbull, pero cuando se trata de sus propios intereses, no tiene mucho valor”.

“Amy decide acompañar a Molly en su periplo porque quiere flirtear con la chica que le gusta, Ryan”, prosigue Dever. “Nunca ha podido reunir el valor de acercarse a hablar con ella y, si no lo intenta ahora, nunca sabrá lo que podría haber sucedido. Así que, a lo largo de la película, Molly le enseña a ser fuerte y a hacerse valer”.

A Dever le gustaba que el hecho de que Amy fuera gay no fuera el eje central de su arco argumental. “El personaje gay de muchas películas, incluso hoy día, tiene que tener una trama sobre salir del armario. Pero en SÚPER EMPOLLONAS, la revelación de la historia es que Molly admita a Amy que le gusta Nick, que no suele ser el caso. Eso es lo que me entusiasma de esta película y otro aspecto que me atrajo de ella, porque es algo que no ocurre nunca”.

Para dar vida a Amy, Dever se inspiró en influencias musicales femeninas, así como en sus propias experiencias personales. “Escuché mucho a Helen Reddy y Alanis Morissette para empezar”, recuerda Dever. “Le comenté a Olivia que tocaba la cítara diatónica y la incorporamos al personaje”.

“Sobre todo, quería que Amy resultara lo más real posible, una adolescente con dificultades reales, altibajos, conflictos con sus padres, problemas con las figuras de autoridad”, continúa Dever. “Alguien que quiere hacerse valer, pero no lo consigue, y al final acaba dándose cuenta de que puede conseguirlo con el apoyo de su mejor amiga. Por eso he disfrutado tanto interpretándola”.

Para Wilde, Dever era la encarnación perfecta de Amy. “Kaitlyn ya formaba parte del proyecto antes de que yo me embarcara en él y me quedé encantada”, recuerda Wilde. “Siempre me ha gustado. Las vidas de Grace (Short Term 12) fue asombrosa y me encantó en Hombres, mujeres y niños. Tiene algo especial. Es muy inteligente, pero no necesita esforzarse mucho para demostrarlo. Al igual que Amy, también posee una vulnerabilidad que se encuentra en todo momento justo bajo la superficie, a lo que hay que sumar su increíble tempo para la comedia y una gran mordacidad”.

Dever veía muchos de los atributos de Amy en sí misma. “Soy muy similar a mi personaje”, sugiere Dever. “Cuando estaba en el instituto, yo era la guay, pero también me gustaba hacer los deberes. Me encantaba entregar trabajos, hacer exámenes y sacar buenas notas”. También ve en ella algo de Molly. “Me gusta salir de juerga. Así que, en ese aspecto, soy más como Molly”.

Lo que más impresionó a Dever de SÚPER EMPOLLONAS fue la amistad entre Amy y Molly. “Lo que más me llamó la atención la primera vez que leí el guion fue el vínculo existente entre esos dos personajes”, recuerda Dever. “Están muy unidas y resulta muy real. Son amigas de toda la vida y harían lo que fuera por la otra. Solo se han tenido la una a la otra mientras crecían. Creo que son casi como hermanas”.

“Hacía tiempo que no veía una película así, en la que piense: ‘Oh, así somos mi mejor amiga y yo’”, prosigue Dever. “Esta película me recuerda a muchas de las relaciones y amistades que tengo en la vida real, y creo que eso es lo que la hace tan especial. En el fondo, SÚPER EMPOLLONAS es una historia de amor, la verdad”.

Molly, el personaje de Beanie Feldstein, es verdaderamente ambiciosa, tiene la mirada puesta en el futuro y considera la frivolidad una pérdida de tiempo. “Molly es una persona sumamente estudiosa”, explica Feldstein. “Es la primera de su promoción. Piensa ir a Yale. Por mucho que aprecie a Amy, aprecia aún más el trabajo escolar. Tiene muy claro y está muy segura de lo que quiere en la vida. Quiere convertirse en jueza del Tribunal Supremo y sabe exactamente los pasos que tiene que dar para llegar allí. No piensa permitir que nada ni nadie se interponga en su camino. Divertirse no forma parte de la ecuación”.

Feldstein disfrutó con las restricciones autoimpuestas de Molly. “Se resiste constantemente a sus distintos impulsos, lo que ha sido divertido de interpretar”, asegura Feldstein. “Si siente alegría en determinado momento, o un flirteo, o entusiasmo, siente la necesidad de reprimirlo. He disfrutado reuniendo toda mi intensidad más pertinaz, que normalmente es inexistente, para reflejar esa lucha interna constante en Molly”.

SÚPER EMPOLLONAS. Molly (Beanie Feldstein) y Amy (Kaitlyn Dever). Foto: Francois Duhamel. © 2019 ANNAPURNA PICTURES, LLC. All Rights Reserved

Al interpretar a Molly, Feldstein se sintió profundamente conmovida con la forma que tiene la película de abordar las ideas preconcebidas de cómo nos vemos unos a otros. “El mensaje de la película es que todos nos precipitamos a juzgamos unos a otros y también nos precipitamos a juzgarnos a nosotros mismos sin saberlo”, explica Feldstein. “Nos encasillamos y encasillamos a los demás. A lo largo de la película, Molly y Amy se dan cuenta de que se ven a sí mismas como chicas inteligentes e incluyentes, pero en realidad han estado excluyendo a muchas personas de sus vidas de las que podrían haber sido amigas a lo largo de toda la época del instituto. Sus compañeros de clase también son culpables de prejuzgarlas y llegan a la misma conclusión. La película es un grito de guerra por la inclusión y una advertencia para no dejarse engañar por las apariencias. Todos somos multidimensionales y capaces de ser muchas cosas a la vez”.

Para encarnar a Molly, Feldstein se valió de su propia obsesión por los estudios, así como de la adoración que siente por sus amigos. “Puedo concentrarme en exceso en las cosas”, asegura Feldstein. “A lo largo de mi vida, mi pasión por los estudios ha ido fluctuando, pero, cuando estaba en la universidad, era tremendamente estudiosa. Me encanta esa faceta mía. Así que ha sido divertido interpretar eso en Molly”.

“Es una amiga muy cariñosa”, prosigue Feldstein. “Quiere mucho a Amy, pero lo expresa de manera distinta a como otras personas demuestran su amor por los demás. En lo que se refiere a querer a tus amigos con pasión, esa es una cualidad que yo también poseo”.

Al igual que Dever, Feldstein sentía cierta afinidad con ambos personajes. “Hay muchos aspectos de mí que son como Molly”, afirma Feldstein. “Molly es una perfeccionista, al igual que yo. Pero, cuando se trata de salir por ahí, soy como Amy. Soy la primera en marcharme de la fiesta”.

Pero, al contrario que la aversión que siente su personaje hacia el ambiente teatral, los actores ocupan un lugar especial en el corazón de Feldstein. “Soy una auténtica fanática del teatro”, reconoce Feldstein. “En el instituto, si había una obra, yo estaba en ella. En la película, Molly odia a los alumnos de arte dramático. Así que fue divertido odiar a mi gente, pero, en secreto, pensar: ‘Soy uno de vosotros, pero ahora mismo no’”.

Para encontrar a la persona perfecta para interpretar a Molly, Wilde no buscó más allá de Feldstein. “Molly es uno de mis personajes favoritos que he leído nunca en un guion”, aporta Wilde. “Beanie fue la Molly con la que yo soñaba desde el principio. Posee una humanidad innata y una verdadera luz interior que hace que todo personaje que interprete brille con luz propia. Se puede sentir una enorme vulnerabilidad tras la dura fachada exterior que ha creado para Molly. Molly está llena de amor, aunque no sepa muy bien cómo expresarlo, porque no se considera digna de ser amada”.

“Es increíble lo que Beanie aportó al personaje”, continúa Wilde. “Posee una humildad que no he visto mucho en este negocio. Me ha dejado anonadada. Es una verdadera superestrella, es capaz de hacer de todo. Su registro no tiene límites. Ha sido una gran suerte poder contar con ella en esta película. Es un sueño hecho realidad”.

Igualmente, Feldstein estaba deseando formar parte de SÚPER EMPOLLONAS. “Había leído el guion hacía años y siempre lo tuve muy presente”, recuerda Feldstein. “Entonces, recibí una llamada de mi agente para decirme que Olivia Wilde quería comer conmigo. Y pensé: ‘¿Cómo sabrá quién soy? Es de locos’”.

“Quedamos y lo pasamos estupendamente”, prosigue Feldstein. “Me sentía entusiasmada y honrada de que pensara en mí para Molly”. Conseguir el papel de Molly resultó ser más de lo que Feldstein podía esperar, ya que nunca imaginó que se encontraría compartiendo escena con su actriz favorita de todos los tiempos: Lisa Kudrow. “Soy la mayor fan de Lisa Kudrow de todo el planeta”, afirma Feldstein. “Tengo una pegatina de ella en mi ordenador. Fue verdaderamente una de las mejores cosas que me han pasado en mi vida. Me parece el ser humano más encantador que ha existido nunca. Observarla resulta excepcional”.

SÚPER EMPOLLONAS. Nick (Mason Gooding), La Grúa (Molly Gordon) y Tanner (Nico Hiraga). © 2019 ANNAPURNA PICTURES, LLC. All Rights Reserved

“Soy tan fan que me costaba funcionar como persona”, prosigue Feldstein. “En una escena, estaba tumbada en la cama y, lo primero que se me pasó por la cabeza, mientras fingía tocar la cítara diatónica, fue una de las canciones de Phoebe de ‘Friends’, ‘Monica, Monica, Que tengas un Feliz Hanukah’. Es lo que estaba cantando mentalmente, pero no dejaba de repetirme: ‘Beanie, como lo cantes en voz alta, te lo juro por Dios... Mantén la compostura, Feldstein. Madre de Dios, no la pifies’”.

Dado que Molly y Amy son caras opuestas de una misma moneda, Feldstein y Dever decidieron reproducir la relación de sus personajes y vivir juntas durante el rodaje. “Olivia fue quien sugirió que viviéramos juntas”, recuerda Feldstein. “Kaitlyn y yo nos miramos y dijimos: ‘Hagámoslo’. Vivir juntas nos ha convertido en amigas íntimas. Ha sido maravilloso. Nos adoramos”.

Para Dever, la amistad real entre las dos contribuyó a la química que puede apreciarse en pantalla entre Amy y Molly. “Creo que supuso una gran diferencia”, afirma Dever. “Vivir juntas a lo largo de este rodaje ha sido estupendo. Al final del día, nos vamos a casa, nos tiramos en la cama, vemos la tele juntas y tomamos tortitas. Me siento muy unida a Beanie, y creo que la película ha salido beneficiada de eso”.

La forma que tenían Dever y Feldstein de sentirse la una por la otra se extendió a todo el resto del equipo de rodaje. “Nunca había sentido algo así por un reparto y un equipo técnico”, asegura Dever. “Olivia creó un ambiente muy familiar en el set. A todo el mundo le encanta este proyecto. Contamos con un grupo asombroso de personas”.

Feldstein agrega: “Es un grupo de personas lleno de talento, que han sido todos increíblemente divertidos y cariñosos. Todos nos queremos mucho. Me da pena que se acabe”.

Jessica Williams interpreta a la señorita Fine, la profesora a la que todo el mundo adora y con cuyo apoyo cuentan Amy y Molly cuando lo necesitan. Pese a ser popular entre los alumnos, la señorita Fine siente ciertos remordimientos. “La señorita Fine es la profesora de Lengua del instituto”, explica Williams. “Es muy enrollada y quiere obrar cambios en sus alumnos. Lamenta no haber sacado el máximo partido a su estancia en el instituto cuando era adolescente. Así que intenta animar a Amy y a Molly para que no cometan el mismo error”.

La interpretación de Williams de la señorita Fine se inspiró en aquellos profesores que apoyaron su pasión por las artes. “Cuando estaba en el instituto, tenía un programa estupendo de arte dramático con profesores excelentes que creyeron en mí y me inspiraron a dedicarme a mí misma”, recuerda Williams. “Lo que hace increíble a un profesor es que se preocupa, y eso supone una gran diferencia. Quería aportarle eso a la señorita Fine. Tenía que ser la profesora que todo el mundo desearía haber tenido, es inteligente, capta los chistes y las referencias, y le encanta enseñar”.

Abordar ese papel le dio a Williams la oportunidad de formar parte de una película que le gustaría haber visto de adolescente. “Ojalá pudiera haber visto esta película cuando estaba en el instituto o en secundaria”, comenta Williams. “En general, como mujer y como persona de color, siempre he querido verme representada en la pantalla. Ver a dos chicas jóvenes y tan inteligentes afrontando el día a día del instituto, siendo muy francas sobre su sexualidad, emprendiendo ese gran viaje emocional, y disfrutando de esa noche loca de diversión me resulta emocionante. Habría ido corriendo al cine a verla”.

El apático director Brown, que se siente desconectado de su trabajo y hace el mínimo esfuerzo posible, está interpretado por Jason Sudeikis. “Es alguien que lleva demasiado tiempo haciendo su trabajo y ya no es tan eficaz como les gustaría a Amy y a Molly”, comenta Sudeikis. “Al mismo tiempo, entiende que la vida se va haciendo menos divertida a medida que te haces mayor, y le preocupa que las chicas estén dejando que su futuro se interponga en su presente”.

Interpretar a un director de instituto no le supuso ni mucho menos un gran esfuerzo a Sudeikis. “Cuando pienso en otras vidas que podría haber llevado, probablemente podría haber sido director, al menos uno de este estilo”, comenta Sudeikis. “Probablemente habrían hecho falta unos siete u ocho momentos en los que hubiera optado por un camino distinto al que seguí para haber llegado a esa situación, pero seguramente sea para mejor que haya seguido los caminos que seguí. No creo que resulte especialmente descabellado imaginarme haciendo algo así. Ahora bien, si pretendiera interpretar a uno de los chavales del instituto, eso podría haberse considerado una mala decisión por parte de todos los implicados, pero no, soy el director”.

Sudeikis ve los paralelismos entre la experiencia vital de Wilde y las dos protagonistas principales de la película. “Olivia asistió a un instituto bastante duro, la Academia Phillips de Andover, en la que estudiaron dos ex presidentes de los EE. UU.”, asegura Sudeikis. “Está familiarizada con chicos que tienen el mismo idealismo, ambición y mentalidad decidida que Amy y Molly”.

“Y, aunque admita no haber sido uno de ellos, comprende su punto de vista”, prosigue Sudeikis. “Olivia lleva trabajando en su campo de especialización desde los 18 años, pero seguramente se lo pasó mejor por el camino que Molly y Amy. Así que creo que lleva consigo ambas facetas, quiénes son intrínsecamente Molly y Amy, así como las versiones más hechas y derechas de sí mismas que creo que Olivia es a estas alturas de su vida”.

Al ambientar este momento fundamental, difícil y confuso de la vida de todo adolescente sobre un trasfondo de realismo, se consiguió que las amistades, las relaciones y los propios personajes de la película resultaran aún más auténticos. “No hay muchas comedias de instituto, y las buenas comedias de instituto son más escasas todavía”, opina Distenfeld. “Esta es una película ambiciosa en cuanto a tono y aspecto visual, en un género en vías de extinción, y nuestro mayor reto fue reunir al equipo adecuado, no solo ante la cámara, sino también tras ella, que nos ayudara a conseguir ese tono y a superar el elevado listón creativo que nos habíamos impuesto”.

Con un apretado plan de rodaje de 25 días, la diseñadora de producción Katie Byron y Wilde crearon una estética que elevó el ambiente de instituto sin sacrificar su familiaridad. “Queríamos hacer algo que resultara atemporal”, explica Byron. “No hace falta que sea algo que exista”.

“Aunque SÚPER EMPOLLONAS se inspira en los clásicos del cine de instituto, queríamos que fuera su propia referencia”, prosigue Byron. “Así que creamos un mundo de instituto que es a la vez exagerado, pero basado en el naturalismo; no queríamos que resultara demasiado bonito ni emocionante, tan solo lo justo para animarlo un poco”.

Wilde elogia a Byron por hacer realidad su visión. “La gente da por sentado que las comedias no pueden tener una perspectiva artística, pero por supuesto que pueden”, afirma Wilde. “Katie y yo sintonizamos desde el primer instante, lo que permitió que ella se encargara de que mis ideas cobraran forma”.

“Contó con recursos limitados”, continúa Wilde. “Pero, de algún modo, consiguió hacer esta película mucho más rica y dinámica”.

Para Byron, fue simplemente cuestión de tomarse cierta licencia artística. “Queríamos hacer una película que mostrara un mundo hermoso en el que vivir y, de vez en cuando, puedes olvidarte de las reglas para crear una buena obra de arte”.

El set de la graduación del Instituto Crockett se tomó esas libertades. “El set de la graduación fue algo que ningún instituto normal se podría permitir”, comenta Byron. “Tuvimos que construir algo que fuera bonito pero que se pudiera montar en un día, con un techo encima, laterales y cierto número de sillas. Se ideó una combinación perfecta de un armazón con una plataforma de acero como la forma más sencilla y rápida de conseguir algo que resultara espléndido”.

Al mismo tiempo, el ambiente tenía que ser intrínseco a los personajes. “Katie colaboró con los actores para permitir que sus entornos encajaran de manera realista con sus elecciones”, explica Wilde. “Con el diseño de las habitaciones de las chicas, colaboró con Kaitlyn y Beanie para decidir exactamente qué debía haber en sus cuartos, hasta la textura de las sábanas, el color del papel pintado, qué tendrían en sus mesillas de noche y qué guardarían en sus cajones (algo que tal vez no veamos nunca, pero que influye en la interpretación)”.

Para el propio Instituto Crockett y la casa de la tía de Nick, en la que se celebra el no va más de los guateques, Byron recurrió a localizaciones reales, en lugar de platós, para mantener el tono realista. “Elegimos un instituto situado en el valle de San Fernando de Los Ángeles”, recuerda Byron. “Era el único instituto que nos permitía montar una pelea con globos de agua por los pasillos, así que fueron los elegidos”.

“Para la casa de la tía de Nick, necesitábamos una localización apta para rodajes en la que pudiéramos trabajar nueve noches”, continúa Byron. “Tras pasar un tiempo llamando por teléfono y yendo de puerta en puerta, encontramos una casa mágica en Encino, California, propiedad de un coleccionista de arte. Tuvimos que retirar todas las obras de arte y el mobiliario, y traer nosotros mismos todo lo que necesitábamos. Luego, decoramos el espacio vacío según nuestras necesidades. Nos resultó muy útil y nos ofreció un entorno excelente”.

Para reflejar el choque de la historia entre la realidad y lo que se percibe como cierto, Wilde y la diseñadora de vestuario April Napier idearon y crearon un estilo para cada personaje que subvertía los tópicos asociados a las historias iniciáticas. “A April le encantó la idea de contar un tipo diferente de historia sobre la amistad femenina”, explica Wilde. “Quería ofrecer un retrato real y auténtico de chicas que son diferentes, pero no estereotípicamente empollonas”.

“Dejé muy claro que quería que Amy y Molly resultaran únicas”, prosigue Wilde. “Les encanta quiénes son, se sienten increíblemente seguras de sí mismas, no les interesa cambiar su aspecto, ese no es el viaje que han emprendido. A April le gustaba que yo no quisiera que estas chicas evolucionaran para imitar a los chicos populares. Así que se nos ocurrió la idea genial de hacer que las chicas llevaran monos inspirados en Rosie, la Remachadora, con un pañuelo en el cuello y una boina. Esas ideas tan originales surgidas de la imaginación de April dotaron a la película de mucha textura y crearon de inmediato un tono diferente, que resultaba esencial para contar esta historia”.

Dado que cada personaje tiene una imagen distinta, era importante que eso se pusiera de manifiesto en su ropa. “Olivia quería que los personajes tuvieran una personalidad claramente definida”, aporta Napier. “Todos se expresan de manera distinta. Así que cada uno tiene su propio aspecto concreto, que tiene que resultar real y genuino, no una especie de extraña versión genérica de los mismos”. Gigi, el personaje interpretado por Billie Lourd, se distingue especialmente de sus compañeras. “Gigi está inspirada en Cher”, explica Lourd. “Es como un camaleón. En cada nueva escena, Gigi se cambia de vestuario, como la propia diva del pop”.

Algunos de los actores ya traían un estilo propio, que encajaba con el de sus personajes. “Eduardo (Theo), Nico (Tanner) y Victoria (Ryan) tenían un aire de skaters que nos gustaba para sus personajes”, recuerda Napier. “Así que hicimos que llevaran su propia ropa, zapatos y joyas”.

“Las camisetas que lleva Theo son mías, las conseguí en una tienda de segunda mano”, aporta Eduardo Franco. “Me gusta llevar zapatos sin cordones con calcetines básicos, y eso acabó convirtiéndose en parte del vestuario de Theo, lo que fue alucinante”.

“Me dejaron llevar todas mis joyas, los anillos, las cadenas, me encanta mi bling bling”, afirma Nico Hiraga. “Estaba entusiasmado de que les gustara mi estilo”.

Para Napier, encontrar la prenda de ropa perfecta no estuvo exento de complicaciones. “La escena en la que Amy y Molly se ponen la ropa de la señorita Fine fue sin duda todo un reto”, asegura Napier. “Jessica Williams mide 1,83 m, mientras que las chicas miden alrededor de 1,60 m. Así que me llevó un tiempo hacerme a la idea de (A) ¿Qué podría llevar la señorita Fine en el coche que pudiera quedarles bien a las chicas y pudiera encajar en lo referente a tallas? y (B) ¿Qué resultaría creíble? La suspensión de la incredulidad tenía que ser palpable. Así que acabamos optando por grandes camisetas retro y brillantes, que se ciñeron con un cinturón para convertirlas en vestidos”.

Las mejores comedias de instituto te hacen reír y sentir cierta nostalgia, a la vez que te ayudan a entenderte mejor a ti mismo. En SÚPER EMPOLLONAS, lo delicado de hacerse mayor va más allá de perder la virginidad o los hitos de la vida académica. En vez de eso, se trata de liberarse de las ataduras, ya sean autoimpuestas o no, que te mantienen contenido. Esta película sirve para recordarnos a todos que se alcanza verdaderamente la madurez cuando te abres y permites que tu luz brille, y cuando permites a los demás hacer lo mismo.

“Espero que esta película haga que todo el mundo se plantee cómo perciben a los demás, cómo han juzgado injustamente a la gente, incluidos a sí mismos”, señala Wilde. “Espero que ayude a ver a los demás con algo más de empatía y a apreciar la complejidad de uno mismo. Por último, espero que haga reflexionar a la gente sobre su propia experiencia del instituto, tanto si se encuentran actualmente en él, o fue algo que sucedió hace cuarenta años, y piensen: ‘Esa es una época especial de la vida y es importante estar presente, porque esos momentos son fugaces. Esos momentos y esas relaciones tienen valor’”.

                               

Sorteo Entradas: Salón del cine y las series de Barcelona

Llega la 4a edición del Salón del Cine y las Series de Barcelona

Miki Esparbé, Soy una pringada, Elena Neira y Juego de Tronos serán algunosde los protagonistas de la nueva edición del Salón del Cine y las Series que se celebrará el 17,18 y 19 de maig en La Farga de L’Hospitalet

Participar es tan fácil como que queráis ir, y nos contéis vuestro final de serie favorito ya sea por bueno o por malo, y sed seguidores de las Redes Sociales.

El sueño de Resines, el funeral de Lost, el fundido de los soprano... Sorprendednos! y os lleváis entradas para el salón.

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Que la suerte os acompañe

The OA: Drama sobrenatural

‘The OA’ estaba en mi lista ya que siempre que aparecía el trailer la premisa me parecía tremendamente sugerente: “Una joven ciega desaparece durante siete años y cuando regresa ha recuperado la vista”

¿No me digáis que con ese claim no compráis todos? Yo desde luego sí, y también Brad Pitt que ejerce funciones de productor, pero es cierto que ‘The OA’ es mucho más y se acerca mucho más a ‘La fuente de la vida’ que ya nos mostró Aronofsky. ‘The OA’ nos trae un viaje emocional y cósmico a lo que somos como seres humanos y al concepto de familia. Con la serie nos enfrentamos a un drama con tintes sobrenaturales, es decir, todo lo que nos gusta en esta vida.

Pero cuando nos vamos adentrando en ‘The OA’ vamos descubriendo un mundo mucho más profundo, algo a lo que no estamos acostumbrados en cine o en las series de televisión y es el realismo mágico. Esto hace que en ocasiones nos sintamos extraños o la narración nos saque fuera debido a su propia naturaleza mística y sobrenatural y a nuestra tendencia a abrazar lo normativo y establecido.

A veces la series o películas nos llegan en los momentos que las necesitamos, y no cuando queremos. Tal vez ha llegado ‘The AO’ en tiempos oscuros, en momentos en los que necesitamos creer y sentir que formamos parte de algo superior y con sentido.

No me había puesto con ella y ha sido absoluta casualidad y tal vez el destino el que ha querido que a unos días de que empiece la segunda esperada parte que ha tenido a los fans en vilo durante tres años, haya llegado a mi vida como un torbellino que me ha removido por dentro y me ha llenado de luz. Ha sido una suerte no descubrirla en un primer momento pues posiblemente habría caído en mi memoria a pesar del tremendo poso afectivo que ha dejado en mi, sobretodo el capítulo final de la primera temporada.

Hay dos cosas que os tengo que destacar de Prairie, su protagonista. Una es su luz, la que irradia incluso en los momentos más oscuros, una luz que puede convertirse en una supernova y destrozar todo a su paso si lo desea, pero que decide estar contenida. Otra de las características maravillosas del personajes es su sonrisa, una sonrisa que le da un aspecto de fragilidad y ternura con la que proyecta una candidez real y natural, sin artificios, capaz de llenar una sala llena de gente y que se volteen a mirarla. Un personaje lleno de fuerza a pesar de su aparente fragilidad, un ángel entre nosotros.

El planteamiento de ‘The OA’ en realidad es tan simplista que se podría haberse resuelto en una película  de dos horas, eso nos viene a decir que hay mucho relleno, muchos momentos en los que la acción se dilata y se alarga, pero esa es la intención. Debemos sentir que es un proceso largo, que ocurre despacio, cuando tiene que ocurrir, cuando están preparados, y que el tiempo al final solo es tiempo, el cual pasa, pero permanece inmóvil.

Estamos acostumbrados a una concepción del tiempo lineal, y hemos aprendido a lo largo de películas y series (mucho mejor que con tratados científicos) que el tiempo puede ser algo circular, que ocurre a la vez en todo momento solo que nosotros no somos capaces de comprenderlo. Posiblemente nuestra mente explotaría o colapsarías al recibir todos los acontecimientos de golpe y los ordena de manera lineal como en el transcurso de una vida. Tal vez de ahí vengan nuestras sensaciones de deja vu, y todo esto lo estemos viviendo antes. Por eso tal vez haya humanos que sepan de cosas antes de que ocurran y solo sean conscientes y no oráculos.

Sobre esta falta de literalidad en los acontecimientos parece que nos han querido hablar algunas series últimamente, como es el caso de “The haunting of Hill house”, donde en el emotivo discurso final de Nellie en la habitación roja, ella ya nos advierte sobre el amor y el tiempo, y como lo hemos vivido todo yo, dándonos una lección de amor verdadero y como reaccionar ante la culpa. “The haunting of Hill house” es la serie de Mike Flanagan sobre fantasmas, en la que pone el acento mayormente en los espectros de nuestra propia vida que en  aquellos sobrenaturales, para hablarnos así de el drama de una familia.

Nellie en su alegato final, les habla del tiempo y de como este en realidad no es lineal como nos pensamos, como idea a la que volvemos una y otra vez. El tiempo en realidad es  como la lluvia o la nieve, o como el confeti, cae de golpe, cae sin parar sobre nosotros y lo sentimos en todas las partes de nuestro cuerpo solo que no somos conscientes, hasta que llega el momento.

Una preciosa forma de nombrar aquello que Villeneuve nos contaba en la película “Arrival”. Cuando el regalo o herramienta que nos dejaban los Aliens no era otra sino que conocimiento a tiempo real de la vida como algo completo y circular y no lineal. Como la forma de saberlo todo y perder el miedo, decir más veces te quiero, coger más veces el teléfono, y estar al lado de las personas que amamos más tiempo pues sabemos que las vamos a perder.

Al final el tiempo es una extensión del amor, y así es como Nolan nos lo demostraba en “Interstellar”, una película que hablaba de una dimensión que se unía a las que ya conocíamos de tiempo, y espacio. El amor se convertía en una dimensión que hacía que la civilización humana pudiera salvarse de un destino atroz e inminente a la vez que servía como vía de comunicación.

Por esa plasticidad y temporalidad ‘The OA’ es un acontecimiento único y extraordinario. Tal vez no sea una serie que vayas a recordar con el tiempo, con capítulos míticos que se quedan grabados en tu memoria como si ocurría con “Lost”, pero si que dejará en ti un poso y tal vez nos haga más sabios o más valientes. Eso ya la convierte en algo mágico.

Tenemos que empezar por el sorprendente principio de ‘The OA’ si en un primer momento os he contado que mi interés por ella, venía dado sin duda por esa premisa de chica ciega que recupera la vista, eso queda en segundo plano cuando ella aparece y se tira por un puente en el trailer.  A partir de ahí llega el momento en el que te explota la cabeza cuando los créditos iniciales aparecen a los 50 minutos del primer capítulo. ¿Qué ha ocurrido hasta entonces? ¿Qué hemos estado viendo hasta entonces?

Nos encontramos con una serie narrada como una parábola de forma literal, en la que su protagonista nos cuenta su historia lentamente y sin prisas sentada alrededor del fuego como lo hacían las tribus primigenias, en la forma más primitiva de compartir enseñanzas y relatos. Es una mesias, o un ángel como ella misma asegura, o tal vez es todo el engaño de una niña rusa que no ha sabido más que mentir desde el principio.

Ha sido una maravilla y sobretodo un auténtico placer entrar virgen a esta historia protagonizada por la actriz Brit Marling, que ejerce además de como protagonista, como showrunner del show, con labores de guionista en la serie.

Una idea que se terminó entre la actriz y el director Batmanglij, del que creo que no he visto nada. Detrás, como ya comentábamos está la productora Plan B, que pertenece a Brad Pitt, y en la dirección encontramos también nombres como el de Mike Cahill, que recordaréis por la película “Segunda tierra” y “Orígenes” a la que tantas veces os hago referencia yo. Cahill estuvo en Sitges y casi nos vimos obligados a participar en el photocall de este hombre con aspecto de surfero interesado en las otras vidas, la reencarnación y el universo. Mucho de lo que bebe ‘The OA’, además de un espíritu libre y salvaje, del más cine indie que podríamos ver en Sundance perfectamente.

Como drama familiar funciona fantásticamente bien. Pensad en unos padres que han perdido a su hija durante 7 años y que al regresar necesitan saber qué ha ocurrido pero ella se niega a hablar de los sucedido. Es más, ella, como ciega que vuelve con el milagro de la visión, jamás les había visto. Ese momento en el que ve por primera vez a su madre gracias a sus manos y no a los nuevos ojos, es de los momentos más emotivos que podemos vivir en televisión.

Unos padres que piensan que tener una hija ciega será la garantía de que ella siempre estará con ellos porque los necesitará, creando así desde el principio una relación llena de secretos y altamente tóxica. 

Unos padres que no entienden a su hija, que es una extraña, ¿pero acaso no les ocurre eso a todos los padres con sus hijos?

Capítulo aparte para los periodistas, los cotillas y los medios de comunicación que quieren sacar beneficio de situaciones como estas. Una jauría de lobos ante el drama humano.

Prairie se siente más agusto, más entendida con algunos seres de su pequeña ciudad, que están pasando por momentos más o menos difíciles, desde una profesora que trata de hacer su trabajo lo mejor que puede ante una situación familiar complicada, a alguien que busca su lugar y su sexo, o alguien con problemas afectivos que encuentra en la violencia la vía de escape de su soledad y frustración. Estos sin futuro, serán los seres que ayudarán a Prairie a sentirse ella misma, a entender su historia, a que la ayuden.

Este puede ser el problema o la virtud, ¿Se nos esta engañando al espectador con filosofía de mercadillo?

Ni los discípulos de Prairie ni nosotros mismos sabemos nada más que lo que ella nos está contando, una versión parcial de la historia. Creemos lo que queremos creer porque en situaciones difíciles tendemos a agarrarnos a lo que sea como si fuera un clavo ardiendo. No sabemos que pensar, y sobretodo nos enfadamos con ella por su simpleza y no haber actuado de otra manera, por entrar en la boca del lobo tan fácilmente.

Tal vez Prairie sea una mesias pero tal vez sea una farsante, como la de esas sectas que te obligan a suicidarte haciéndote creer que “ellos” han vuelto a por ti y te llevarán a Saturno o a un mundo mejor. ¿Tal vez Prairie solo sea la mayor charlatana de la historia?

Una líder sin duda, y ejerce como tal desde el principio gracias a su fragilidad, no solo de sus nuevos compañeros de aventuras, sino también de aquellos que la acompañaron en esos siete años perdida.

El espectador, como los nuevos compañeros de Prairie actúan asumiendo lo que se llama “trauma heredado” para liberar al protagonista de su carga y pesar, asumiendo ellos así una parte de su dolor. Esta descarga del dolor, hace que el mesias (como ya lo fue Jesús) sea anecdótico, y que en realidad lo importante sean sus enseñanzas, y lo que sus discípulos puedan hacer con lo que aprendieron en el escaso tiempo que su maestro estuvo con ellos. Esto rompe con el paradigma del clásico héroe para convertirlo en una aventura mucho más global.

Los movimientos de los ángeles originales, son dados de manera aleatoria y por separado. Ninguno puede actuar solo, deben hacerlo en conjunto, ninguno es más importante que el otro para realizar los cinco movimientos. Somos todos juntos, gracias a pequeños movimientos los que podemos generar el cambio. En ocasiones necesitamos un suceso o alguien que actúe como detonante de este cambio, yo lo he vivido en mi vida y lo llamo el “Efecto patada”, como se vio en la película ‘Origen’ de Nolan, una patada que saque a los personajes de lo que es sueño, y los devuelva a la realidad, algo que los haga despertar a la vida.

Al final la mente es la que manda, y no diferencia en ocasiones entre sueño o realidad, entre lo que es una locura o la sensatez, o entre si hay vida más allá o esto es lo único que tenemos y donde debemos luchar. Cuan largo es el camino de vuelta a casa.

Yo entre en la secta totalmente, pero eres tú como espectador el que debe decidir si seguir a OA, o volver a la masa. A veces lo que os hace especiales no es bueno de por si. ‘The OA’ trae al espectador situaciones o conceptos surrealistas en un entorno completamente normal, en el día a día, y en eso radica su dificultad, en creer en la magia o en abrazar el escepticismo. No sé si hay termino medio, o si el interés radica en demostrar científicamente que la magia existe.

Estaremos continuamente en el límite de creer o no creer, no solo en la historia de Prairie, sino en nosotros mismos, ¿Acaso no es eso la vida?

En ocasiones el mayor misticismo, y el más real se encuentra en el autoconocimiento, ya que al final, de lo que menos sabemos y entendemos es de un ser llamado ser humano, y así es como veréis a Prairie en muchas ocasiones, en primer plano, sin artificios para tratar de escuchar su alma saliendo de su cuerpo en infinidad de ocasiones.

La “Daena” es un concepto oriental parecido al alma, y es una palabra que yo he utilizado como nick. La Daena se presenta como una niña, como un cuerpo celeste que nos acompaña durante toda nuestra vida y nos visitará en el momento de nuestra muerte para emprender el viaje al más allá. Esta Daena, como en el retrato de Dorian Grey, se verá como un reflejo de nuestras acciones, si hemos sido buenos será una niña, un ángel, o un hermoso ser que os llevará a nuestro destino en el más allá, pero si por el contrario hemos sido malvados, será un monstruo o demonio que vendrá a buscarnos. La Daena puede ser esta representación de nosotros mismos, estos ángeles que son los personajes de la serie, o ese capacidad interior que todos tenemos para ser buenos o manos, algo que en ocasiones solo depende de las circunstancias que vivimos. A lo mejor nuestra Daena necesita aprender unos movimientos para bailar.

El final de ‘The OA’ te pone los pelos de punta como lo hizo la noticia de el instituto Colombine, pero estallas en lágrimas cuando sientes que la unión hace la fuerza, y que la única forma de superarlo todo es no estando solo. De ‘The OA’ yo me llevo una enseñanza fantástica que espero poner en práctica,  y no es otra que la “constancia”, la “perseverancia” a la que ella tanto alude. El mantenerse firme, y ese es el mensaje.